A primera escuchada, The Pains Of Being Pure At Heart se oyen como otro grupo más de shoegazer que compraron la discografía entera de 4AD (sin mencionar los EPs de My Bloody Valentine) que intentan lograr los excesos sónicos de sus predecesores detras de sus melodías susurradas; sin embargo, el énfasis que le pone la banda a su música es a...bueno, a su música en sí, en concreto a sus rolas.
Con ritmos animados y voces tranquilas pero agudas cantando cosas muy melódicas, se puede notar un aire a Belle & Sebastian o Los Campesinos! inclusive (lo bueno es que no los comparó con el colectivo galés del signo de admiración solo porque se parecen los nombres y porque han tocado juntos, como Pitchfork con Hello Seahorse!), pero a la vez con las guitarras afectadas bastante como banda de Creation Records de principios de los 90's. Lo cuál está muy bien y todo pero no del todo.
Al comenzar el disco con "Contender", y ejemplificado en otras rolas como "Young Adult Friction", nos demuestran que pueden escribir canciones buenas, con coros cantables que no se desgastan a primeras de cambio, pero la mayoría de las canciones no corren con la misma suerte, teniendo coros a medias y melodías casi compuestas; hay veces, como en "The Tenure Itch", que sus melodías y arreglos suenan tan derivativos de otras bandas pasadas y, por el final del disco, derivativos de sus primeras canciones del mismo disco que hasta pienso que se quedaron sin ideas a la mitad de las rolas y ya se apuraron para completar el disco.
Sin embargo el sonido del disco -animoso, contento, ruidoso por muy poquito, a paso rapidón- se oye chido para pasear contento por la calle o por los jardines de la vecina solterona que odia que pisen su prado, pensando en perritos (pero no el de Taco Bell, para eso es Funeral o My Dying Bride), jellybeans y lo padre que la pases con tu ser querido y como es hermoso y solo un poco atemorizante que el sol es una masa inmensa de fuego que nos alumbra y hace que veamos los colores de las cosas; todo eso que te hace dar vueltas o salir brincoteando a la tienda. Nada más que para la próxima no se les olviden las rolas, ¿Ok?
Oh Calvin, ¿Quién te viera entre tus discípulos? ¿Quién pudiera tocarte y llevar tu palabra ante todos los demás mortales? ¿Quién podría bajarte de tu pedestal? Oh Calvin, tu culto te encierra
O esto es algo que los críticos de los 90’s quisieran que pasara; como una versión nueva de “Alex Chilton” de los Replacements, pero esta vez los chicos por millones se rinden a los pies del que presume la barriga y nunca viajaré lejos sin un escudo alrededor de una “K”.
He leído un poco sobre Beat Happening, K Records y, obviamente, Calvin Johnson; sobre su manera de hablar como de los 50’s, sobre sus fiestas de hornear pays y sobre sus tocadas austeras, sobre su papel en la escuela Evergreen y sobre su inspiración a otros músicos. También he leído mucho de lo grande que es su culto, de cómo había gente que le seguía su juego y se vestía, expresaba y hablaba como Johnson para poder ser como él, de cómo su arrogancia creció como la de muchos otros rockeros, en el mainstream o el underground, cuando la gente empezaba a tratar de ser como él, y como no estaba bien que sucediera esto. Hasta Kurt Cobain, portador de la K escudada, lo denunció en entrevistas y su diario.
Pero en verdad ¿Cuánta gente conoce a Calvin Johnson, siquiera de nombre? Y, de todos ellos, ¿Cuántos le rinden culto de personalidad y lo hacen alguien más que hombre?
La respuesta es a) muy pocos y b) aún menos.
Las ideas y, sobre todo, música de Calvin son por definición difíciles de que la gente en masa les guste; son grabaciones muy crudas, la instrumentación muy austera y la técnica casi nula (apuesto lo que quieran que si les enseñan a algún fan de los Killers o Kings of Leon una rola del primer disco de Beat Happening, les dirán que no saben cantar. ¡Anden, inténtenlo!), todo esto está hecho a propósito porque así es como Calvin quiere que escuchemos a sus proyectos, y es el nivel en el que quiere quedarse, nunca ir por más gente que lo escuche. Pero, cuando oigo su nombre, como que pienso en alguien tipo Morrissey, así un mamón interesante que se hace la diva pero no deja de ser divertido ni de poder (o haber podido) expresarse de manera que te identificaras con él tanto; pero Don Smiths es mucho más conocido que Calvin lo será en su vida; por algún motivo, la leyenda de Johnson es más grande que el hombre, y menos conocida.
La respuesta al porque los críticos hicieron tanto alarde puede ser que Calvin Johnson se basa e inició la música independiente en Olympia, Washington; pueblo con una universidad progresista a la cual atendieron gente que va de Kathleen Hanna a Matt Groening, pueblo a escasos kilómetros de Seattle (hablamos en su mera mera época del grunge), pueblo que vio nacer el movimiento Riot Grrrl con Bikini Kill, Bratmobile, Heavens To Betsy y la disquera Kill Rock Stars. Es decir, un pueblo muy visible a finales de los 80’s y principios de los 90’s, en un área donde los medios estaban muy presentes en ese periodo, haciendo ver todo como si fuera más grande lo que en verdad fue. Calvin Johnson en 1991 puede que tuviera un par de miles de fans en EUA, pero esos mismos fans se expresaban tanto de él que bien pudieron ser millones.
El culto de Calvin, sin embargo, sirve de poco o nada hoy en día.
Pero me agrada la idea del culto de Calvin hoy en día.
Simplemente porque Calvin, o mi idea de él, me agrada.
Beat Happening es una de esas bandas que me encantan pero que no escucho seguido, y son de esas bandas que me debería gustar más su manera de hacer las cosas que su música pero que en verdad me gusta más su música que nada. Sus canciones son pegajosas, puedes cantar con ellos y todo, pero el asunto es que se oye increíblemente simple; son acordes de guitarra básicos salidos de un amplificador de práctica con baterías de cartón que apenas y llevan un ritmo semi-constante sobre las cuales melodías igual de simples son entonadas medio mal por Calvin y Heather Lewis, hablando de dulces, bailes bajo el mar, espías, secretos y cementerios; todo debería ser así simple, sin misterio ni profundidad pero yo siempre oigo que hay más.
Igual y es como esa célebre frase de B.B. King que es algo así de que importa escuchar tanto las notas que no se tocan como las que se tocan (citado por Lisa Simpson, un güey le contesta “Pffff...eso lo puedo hacer en mi casa”); Beat Happening, con sus repeticiones y líneas básicas de guitarra, me hacen sentir más emoción que mucha música, me hacen sentir emoción de afuera hacia adentro; casi no es nada de mi parte, no es por nostalgia o por buscar una canción desolada, es porque ellos me hacen sentir su tristeza, su lujuria y su nostalgia. Y simpatizo con ellos.
Cuando escucho a Calvin o a Heather cantando casi o de plano a capella, igual y si se siente inmediato, pero a la vez siento como que esas grabaciones vienen de otro tiempo, de otro lugar y que no debería estar escuchando; es como leer un poema bien profundo, triste y hermoso que encontraste escrito en los calzones de alguien. Y eso me hace sentir, me hace sentir cosas que puedo explicar bien o que no puedo explicar y que no puedo escribir y que cuando lo escucho descanso porque digo “Eso”, es eso, sin saber que lo sentí o lo siento.
De igual manera, Calvin es como un tipo mítico; provocando disgusto ante punks al alzarse su camiseta para enseñar su barriga y actuar lo menos macho posible, inspirador al ir por todo su pueblo para grabar a gente común cantando sin ningún acompañamiento en su cassettera, y mítico solo por ser mítico al crearse una personalidad un poco ambigua pero juguetona, aniñándose para hacer su propio mundo, haciendo lo complicado de su vida aún más vívido. Y pues simplemente divertido, entre toda la reflexión y los sentimientos encontrados; esta es mi idea de Calvin, y con eso me quedo.
Calvin es una figura muy influeyente, eso que ni que; tanto en contemporáneos suyos como The Pastels, the Vaselines y las bandas de Flying Nun como en el emo melódico de finales de los 90’s, así como inspirando a Belle & Sebastian, Camera Obscura, Los Campesinos! y The Pains of Being Pure at Heart, entre miles de millones alrededor del mundo. Estas bandas se atreven a ser delicadas, melódicas, melancólicas, graciosas e íntimas; al igual que Beat Happening.
Yo solo me siento bien sabiendo que Calvin está allá afuera. Eso me agrada.
Con solo un minuto y cachito entrado en el disco, no puedo decir que Harlem Shakes es una banda triste o pesimista; el ánimo de la banda en los tonos de los sintes, los coros de chicos y chicas que entonando parte de la primera rola y las líneas de saxofón todas apuntan a salir corriendo a bailar por las calles después de un desayuno muy azucarado.
Lo que hace a Harlem Shakes una banda interesante es la manera en que mezclan todos los sonidos que conforman su música, y de esos sonidos cuentan con muchos. Su arma secreta son los arreglos, saben cuando dejar todo su arsenal de un madrazo cacofónico sobre las voces contentas y cuando dejar la batería y el bajo solos como apoyo al vocal Lexi Benaim, y en eso también cabe que si el momento amerita distorsión en el bajo o no. Generalmente, se puede escuchar la influencia de Animal Collective fuerte en la manera en que Lexi canta (recordando a Panda Bear o su primo hermano) y en que sus compinches corean, sumándole los bonitos pero acidificados teclados y tratamientos, así como las líneas de guitarras que parecen disonar pero terminan integrándose como deben, haciendo el viaje placentero y, claro, con un poquito de caos; pero, donde Animal Collective no tiene miedo de irse al lado oscuro, ridículo o poco convencional de sus pachequeces, y siendo esto lo que los hace tan chingones después de todo (cuando son chingones), los Temblorines de Harlem hacen las cosas un poco más convencionalmente, con arreglos que no se van tan lejos del verso-coro-verso, pero siendo lo suficientemente amibiciosos como para no ser casualidades del garage o el minimalismo.
Si su arma secreta son los arreglos, su ataque frontal es la composición, de la cual tengo pequeñísimos problemas; me agrada que sus canciones tengan puentes y pre-coros y partes que son resaltables, se repiten pero no se pueden describir como algo convencional en lo que es composiciones de rolas (a menos que los "pre-pre-coros" existan), pero el punto es que no logran componer partes tan memorables, son cantaditas muy bien y cuando hacen coros juntos les sale bien chido, pero si me preguntan como va "Strictly Game" o "Niagara Falls", la verdad no la podría cantar. Aún así, no siento que las canciones sean malas, las puedes escuchar y sentirte bien con el mundo, tomando lo bueno y todo como comercial de Coca-Cola, y hasta sirve de soundtrack para cuando tienes ganas de bailar en calzones si tienes algo porque sentirte chido, y mover el bote sin prejuicios u ordenes de aprensión en tu contra por crimenes contra el ritmo; y hasta los iría a ver en vivo, pero quiero cantar con ellos y siento que tendría que forzarme mucho para hacerlo. Quiero bailar en calzones pero no quiero hacerlo a fuerzas, quiero que me inviten y hay otros quienes si me mandan la invitación membretada y personalizada (casi).
Esto no siempre es la regla, "Sunlight" se acerca a tener un coro pegajoso, "Unhurried Hearts (Passaic Pastoral)" se beneficia bastante al ser una rola en onda country pero sin perder su sonido característico presente en el resto del álbum, haciéndola memorable incluso melódicamente...hasta me atrevo a decir que es mi favorita del disco. Igual y me gusta bastante, pero le falta algo que me haga sentirlo completo; para la próxima pueden ser de mis bandas favoritas.
Lo primero que siento al escuchar este nuevo trabajo de los reunidos J Mascis, Lou Barlow y Murph, es "¡¡A huevo!! ¡¡Han vuelto!!". Después del abismal Beyond del 2007 (y que extrañamente tuvo mejores reseñas que Farm), en el cuál J se dedicó a tocar solo tras solo de guitarra interrumpido por el ocasional quejido amelódico que contrastaba con su talento (y el de Lou, cuando quiere) de escribir canciones memorables. Pero ahora si, aunque sea este si es disco digno de escucharse y criticar.
Ya entrados en la granja, el disco en general tiene más vibra de Green Mind/Where You Been que de Bug o You're Living All Over Me, y no me refiero a calidad, sino al sonido en general; las primeras dos rolas, "Pieces" y "I Want You To Know", que son resaltables dentro del disco, suenan directo de la época de Mike Johnson, aunque ya que se piensa todo, es difícil que volvieran a capturar su sonido clásico como si nada hubiera pasado en hace casi ya 20 años desde su separación. Y no, nadie espera que traten si quiera de acercarse a la calidad de You're Living All Over Me.
Como hubiera dicho J anteriormente, el paso del disco es de country para sangrar los oidos, los tiempos son medios, ni muy rápidos ni muy lentos, los acordes son básicos pero llenos de distorsión y fuzz, la voz fracturada y lamentada, y los solos, ahora si los solos sirven para puntualizar las rolas en vez de para formarlas, haciendo el material orientado a canción.
Siempre encontré el sonido de Dinosaur en los 90's algo bien melancólico en general, con ciertas excepciones, y ya para cuando llega la tercer rola del disco, la melancolía empieza a adueñarse cada vez más de Farm al punto en que las rolas comienzan a sonar parecidas y cada vez más largas, las melodías repetidas de otros discos o de recopilatorios de vaqueros malditos de a dolar en las gasolineras. "Plans" y "Said The People" inclusive parecieran arrastrarse por sus siete minutos, más o menos, sin ser rolas malas sin remedio, pero se sienten pesadas, como si las estuvieras cargando todo ese tiempo y pesaran lo que un burro de carga con equipaje montado. Por fortuna, hay rolas que salen de repente, como "Over It", que rompen con la monotonía, dándo un poco más de energía al flujo del álbum.
Lou decide cantar sus dos rolas que contribuye, al contrario que en su disco anterior en las que J se encargó de la voz; "Your Weather" logra integrarse al disco oyéndose a algo diferente, merecidamente variándole, en la que no solo resalta el bajo, sino también una melodía vocal bastante diferente a lo que don Barlow nos tiene acostumbrado; "Imagination Blind" sigue la misma linea pero de alguna manera recuerda a R.E.M. de los ochentas.
Pero la atracción principal, se puede argumentar, es la rola "I Don't Wanna Go There", que a sus 8 minutos y cacho, cuenta con riffs que suenan frescos, utilizando acordes comunes y siendo la penúltima rola inclusive, pero lo que canta y y la manera de interpretar de Mascis, así como la inspiración con la que cuentan sus secciones y solo (en el que se escucha la química de la banda en el groove que mantiene Lou y los redobles atascados de Murph que apoyan la lira de J), la hacen una de las mejores canciones de Dinosaur, punto. Al contrario de la mayoría de las rolas de Farm, que se sienten que podrían ser mejor si duraran la mitad, "I Don't Wanna Go There" pasa demasiado rápido como para disfrutarse en una sola escuchada.
En general, lo bueno es que suena a un disco de Dinosaur Jr, y cuando es bueno, es muy bueno, recordando una buena época de la banda, pero cuando es malo pareciera durar por siempre. No cambiará la vida de nadie pero dará un par de razones más para celebrar esta reunión, de las pocas que se han sido buenas.
Tracyanne Campbell y compañía regresa después del enorme Let's Get Out Of This Country del 2006, cuyas canciones de letras tristonas y poéticas pero con melodías y ritmos que iban del vals a lo animado creaba un disco muy bien hecho, completo, memorable y que se podía escuchar una y otra vez. Tres años después, la banda de Glasgow regresa con un disco muy parecido en la superficie a su trabajo pasado, con Tracyanne cantando bonito pero contemplativa, con arreglos algo sesenteros sin caer en lo retro y con estructuras animadas y poperas; aunque esta vez las melodías y estructuras no son tan memorables como en el pasado, incluso parece que Tracyanne se está repitiendo en la manera en la que canta, sin agregar mucho excepto que esta vez las letras son aún más tristes, dejando las rolas a medio camino de ser completamente desarrolladas; un poco como si fueran b-sides de Let's Get Out Of This Country. Igual y es por el impacto de ese disco, de como rola tras rola eran diferentes, cantables y buenas a su propia manera para hacer un disco excelente, y pues no es como que este es un disco malo, sino que no es tan genial como Let's Get Out..., lo cual no tiene nada de malo. En un aspecto en el que la banda ha sabido superarse es en los arreglos, afinando la incorporación de sus instrumentos más los sonidos extras para hacer que las canciones se oigan más grandes. Al final, My Maudlin Career es un disco que demuestra todos los elementos que hacen el sonido de Camera Obscura de manera competente y, teniendo rolas como "James" y la que le da título al álbum, lo hacen algo muy recomendable para escucharse.
Originalmente quería hablar de Jimmy Eat World en general pero, viendo que el año que entra marcará el décimo aniversario de este disco, pensé en escribir específicamente sobre él; de cualquier modo, la mayoría de los puntos no cambian si se enfoca a disco o a banda.
Me encontré con Jimmy Eat World a finales de los 90's, mientras investigaba los sonidos de la entonces intrigante etiqueta "emo" que a nadie le agradaba y ahora es mucho más odiada; aún así, no los escuché sino hasta principios de los 00's cuando bajé dos de sus canciones, "Opener" y el demo de "If You Don't, Don't" del entonces-por salir Bleed American. Me sentí identificado con ambas canciones y me gustaron.
Tiempo después encontré Clarity, mientras investigaba más acerca de la carrera de la banda; lo cagado es que no me acuerdo bien de la primera vez que lo escuché , recuerdo no haber pensado o sentido mucho después, lo cual es raro para mí. Ahora es uno de mis discos favoritos, no porque sea un parte aguas de sonidos (lo cuál no es) o letras, pero es una colección de canciones que tienen tan buenos arreglos, secuencia y ejecución que, y esto es lo más importante para mí, puedo verme en ellas y me hacen sentir algo (que es algo que me pasa con todos mis discos favoritos, ya sea el Lapsed de Bardo Pond, el Super AE de los Boredoms, el Die Asche Eines Lebens de Wigrid o el Venereology de Merzbow).
Las rolas son entregadas con sinceridad pero sin mucha ambigüedad o especificación, la música e imágenes líricas están balanceadas de tal manera que evocan algo personal para tí, mientras te hacen cantar con ellos; es un excelente disco para ahogarte en tu propia miseria o para acabarte la voz gritando de emoción.
Una de mis cosas favoritas de este álbum es la continuidad en toda su duración, especialmente durante la primer mitad; "Believe In What You Want" bien podría ser una sección de "Your New Aesthetic" mientras que la melodía vocal de los versos de "Crush" no es tan diferente de algunas encontradas en la canción anterior, "A Sunday", al punto que "Crush" bien pudiera ser una continuación más agresiva de la otra rola. Otro aspecto chido de este disco es el uso de cuerdas que es tan común en el pop desechable de hoy pero que aquí no se oye ni cursi ni abaratado, sino ayuda a llenar el espectro sonoro, dándolo un algo extra que podría faltar.
Las partes rockeras son apasionadas y fuertes, mientras que las más tranquilas son melancólicas y serias, pero nada es lo que parece; la ya mencionada "Crush" puede que se oiga violenta (para sus estandares) pero en actualidad es un tema eufórico acerca de sentirse bien y feliz, mientras "A Sunday", que es más triste, habla de perder a alguién gracias a las malas decisiones y las drogas. Por supuesto que los coros de "Like a breathe" y "As the haze clears from your eyes, on a Sunday" pueden tener interpretaciones diferentes para los diferentes escuchas y eso es parte de lo grandioso de este disco, de gran forma.
No se puede negar que este disco tiene una rola central, en la forma de "Just Watch The Fireworks", una rola que empieza bastante simple, tanto musical como líricamente, con arpeggios adornando los versos, un beat de bataca al punto, y letras describiendo...pues...ver fuegos artificiales, la promesa de verlos "contigo"; las cuerdas entrande manera que intruyen muy poco, como hasta ese momento han sido en el disco; la verdadera parte jugosa de la canción llega en la parte del bridge cuando Jim Adkins "said said said out loud over and over mientras las cuerdas le agregan a la rola sin volverlo un momento de power ballad pendeja, solo dándole a la música suficiente fuerza sin que tuvieran que recaer en la distorsión, añadiéndole un sentimiento más noble, el cuál es reflejado en la parte ya mencionada en la que Jim canta "over and over" después de la que él "parará ahora, lo suficiente para escucharte, me quedaré aquí todo el tiempo que se necesite" ("...stop now, just enough so i can hear you, i'll stay up as long as it takes"). Transforma la letra de la rola de un lamento de una persona solitaria extrañando a un ser físico, transformando a ese ser en alguien que chance ya no está entre nosotros, sale de algo completamente específico (deseando que un cierto alguien estuviera viendo los fuegos artificiales contigo) a algo más ambiguo, ¿Parando en ese momento para oír a una persona o alguién en tú memoria? La manera en la que el resto de la canción se desenvuelve es tanto una confesión emocional como un cántico de celebración, "el tiempo que se necesite" ("as long as it takes") es tanto un lamento de tristeza por tratar de retener a alguien como lo es un grito de felicidad por estar con esa persona compartiendo ese momento para ver los fuegos artificiales, de alguna manera intangible. No es agridulce, es tanto agrio (o más bien melancólico) como lo es dulce.
Mi línea favorita en todo el disco es probablemente "the first star i see, may not be, a star", de una canción que significa mucho para mí en estos momentos de mi vida, "For Me This Is Heaven" contiene algo de la música más ambiciosa que la banda haya usado en el formato de una canción concisa, mientras hace preguntas grandes para gente pequeña; habla del fin del tiempo que tenemos, sobre si no se deja sentir feliz en ese momento entonces ¿Cuando? Y sobre aún sentir las mariposas Y el último adios. ¿Es eso en verdad el cielo? ¿Será "la comodidad de sentirse triste" ("the comfort of being sad" como lo planteó Kurt Cobain) o será de aún sentirse de manera sublime sobre algo que ya terminó pero se sigue apreciando, ya que no sabemos cuando se terminará nuestro tiempo? Mientras me pregunto todo esto (después de todo, no me importa si esas preguntas tratan acerca de algo específico de Jim o de alguien más de la banda; las canciones son de cosas que yo me puedo identificar, por eso son importantes para mí), no puedo dejar de sentir que no hay necesidad de responder porque ya siento de que se trata. Cada que escucho esta canción, siento que no solo es de algo que sé y entiendo, sino también siento que es de algo de mí.
Me gustan todas las rolas del disco, pero "Goodbye Sky Harbour" ocupa un lugar especial para mí, porque demuestra que tan buenos artistas Jimmy Eat World son; en términos de letra, es la canción más corta del álbum pero musicalmente, es la más larga; la letra no está cortada por ser pequeña, de hecho, es tan buena tan expresiva como las del resto del disco, apoyandose en imagenes más simples. La música continua con el toque angular Dischord-eano de rockear que presentan en los momentos más duros de Clarity, pero pronto lo deja por un instrumental de tiempo calmado pero fracturado, en capaz y repetitivo, recordando un poco a Slint, Tortoise, Tristeza y Mogwai de principios, en lo que Jim pone capa sobre capa de voces sin palabras, acumulando una gran masa de ellas cuando la banda se calla para dejarlas y un track de IDM se pone al fondo de ellas, otro instrumental electrónico esta vez algo bailable pero algo retable que se inclina de lado de Autechre o de algunos trabajos de Aphex Twin. Un final épico para un disco épico.
Este es un disco muy personal para mí, no puedo pensar mucho de él objetivamente, aunque es posible que este sea el caso para todos a los que les gusta, por diseño. Hay algo raramente cálido y melancólico dentro de sus canciones, especialemente es estas, que las hace sentir como algo que poner en un día tristón durante tu adolescencia, o cuando piensas en alguien con quién no estas, por alguna razón u otra; chance si le bajas un poquito al volumen, hay una posibilidad que puedas escucharlo(a) dentro de estas canciones.
El indie pop tipo shoegazer ha tenido mucho auge durante los últimos cuantos años en círculos semi-underground, pero ¿Que hay del indie pop con tendencias a instrumentación más atmosférica? Claro, hay un chingo de Mogwais-lite en todos lados, aún así, esas bandas son difícilmente cosas con las que se puede cantar, ¿o no? Mientras que la música de Windsor For The Derby es ambiciosa instrumentalmente hablando, no es lo suficientemente matemática para que pueda ser comparada con la de Unwound y secuaces, pero tampoco es lo suficientemente minimalista para entrar en una categoría mamona como "música cerebral de audifonos fácil de agradar a hipsters". Windsor, en sus momentos más profundos, me recuerdan a Tortoise, Seefeel y al roster de Kranky, pero no temen usar voces melódicas, aunque tampoco se sueltan del todo, lo cuál resulta ser no tan sorpresivo considerando que han sacado cosas en disqueras como Trance Syndicate y Young God. La banda también tiene la valentía de incluir algunas canciones más simples, más roqueras (sin salir del estilo) y más pegajosas que te hacen querer bailar o brincar o algo entre los dos; ¿Cómo le hacen para balancear las escritas en reacción directa con las más ambientales? Pues tomando de ejemplo a Stereolab, por supuesto, haciéndolo divertido y usando uno que otro truco aprendido de los álbumes de Neu!; y, aunque el material de aquí es difícilmente tan bueno como lo de Stereolab y puedes escuchar algo de separación entre los dos bandos de tipo de rolas, Windsor escriben canciones lo suficientemente buenas como para dejarles pasar por alto esos pormenores. Más que nada, una escuchada divertida que no daña a nadie.
Bueno, el pedo es que surgió la discusión en el foro de Sonic Youth ya que la banda ha firmado con Matador; ahora, yo no estoy a favor o en contra de ninguna disquera, pero no me gusta el culto o el odio (sin verdadero motivo) a la disquera; es decir, yo no amo u odio a ninguna disquera, me gustan y disgustan bandas por todos lados, a parte de que hay años buenos para las disqueras y otros que no lo son tanto. La gente que le gusta una banda automáticamente porque están en cierta disquera se me hace que hacen algo miope y es algo que me molesta un poco.
Después de que alguien mencionó que Matador ha lanzado cosas de Cat Power, Bardo Pond, Cornelius, Guitar Wolf, Guided By Voices, Mission Of Burma, Pavement y Pussy Galore entre otros (de los cuales estoy de acuerdo que casi todos los mencionados son excelentes), sin mencionar toda la distribución que le han hecho a disqueras mas pequeñas y/o internacionales, hice el siguiente comentario:
Si, pero también tienen a Love Of Diagrams, Lavender Diamond (bueno, hicieron un EP que adoro un chingo pero el disco completo estuvo muy malo), Mogwai quienes han ido de picada desde Rock Action en mi opinión, Brightblack Smelly Hippie o como quiera que se llamen, los New Pornographers y esas solo por mencionar bandas actualmente en la disquera.
La única que mencionaste que sigue activa es Cat Power (*por supuesto, se me olvidó YLT y B&S, sin mencionar a Times New Viking).
Los cabrones también corrieron a Bardo Pond (No vendían disco ¿Eh? ¡Gran sorpresa! Se deberion de haber dado cuenta de eso desde que los escucharon por primera vez).
De todas formas, independientemente de mis sentimientos personales hacia Matador, ninguna disquera es dios. Matador, Geffen, la misma mierda para Sonic Youth.
(Y no me mencionen el argumento de más 'libertad creativa', Thurston nada más está payaseando como siempre...después de lanzar A Thousand Leaves, NYC Ghosts And Flowers y Murray Street en un sello transnacional es la mayor libertad que cualquier banda ha disfrutado desde los 70's).
Ahora, me han hecho notar este artículo, así que para subrayar lo relevante, les cito y traduzco la parte que nos concierne:
Hemos estado platicando por un rato sobre añadir una sección del Matablog dedicado a una banda anteriormente de Matador y/o momentos viejos de la historia de la disquera, y ya es hora de una jugada así. Acontese que esta noción salió de nuevo un día o dos después que un científico de cohetes publicó en el foro de Sonic Youth que Matador era una gran montaña de mierda porque "corrimos a Bardo Pond". Escucha amigo, a menos que tu nombre sea Darren Mock o Barry Hogan, puedes irte a la verga. Sacamos 4 discos de Bardo Pond e hicimos lo mejor que pudimos. En serio, el internet es la Central de Culpa a la Disquera. ¿Por qué no culpar a los fans que no son lo suficientemente interesantes, atractivos, carismáticos o graciosos para hacer que cualquiera cheque a sus bandas favoritas?* ... (*Nosotros genuinamente creemos que los compradores de discos de Matador son extremadamente interesantes, atractivos, carismáticos y graciosos. Especialmente cuando nos están dándo su dinero. Aún cuando nos están molestando en los foros en línea.
Nunca dije que Matador era mala disquera o que Sonic Youth no deberían de firmar con ellos, tampoco dije que la malvada disquera estaba destruyendo artistas; de hecho, esos puntos ni siquiera tienen que ver con la discusión.
Cualquier disquera de tiempo completo hace decisiones, buenas y malas, por su propio bien hacia la sobrevivencia como negocio, eso es un hecho; es por esto que, a los ojos de muchos artistas y fans, a veces hacen "malas elecciones" las cuales no estamos de acuerdo, y luego hay periodos en los que los rosters cambian, los staffs son renovados y la disquera se reestructura, por lo que muchos pueden sentir que el "sonido" de la misma se pierde o la calidad de las bandas que tienen no es la misma que antes (todo esto siendo relativo ya que el gusto es personal); es por eso que ninguna disquera es perfecta. No lo fue SST, no lo fue Atlantic, no lo fue Motown, no lo es Drag City.
Los sellos traen el lado del negocio a la música, ellos son los que dan el dinero para producir discos y son los que los llevan a las tiendas (o se los llevan a otra compañía para que los lleven a las tiendas); una disquera no es una entidad creativa por naturaleza a menos que participen en el proceso de composición y grabación del material sónico y, en la mayoría de los casos, cuando una disquera mete sus manos en este proceso, los resultados son malos. Un artista puede ser el director de una disquera, pero entonces nada más es creativo cuando se desempeña como artista, no como frente de un sello; el arte y diseño gráfico tampoco son una función de la disquera, más bien son unas de sus partes.
No estoy exponiendo a "vendidos" ni estoy pidiendo pureza indie/punk, las disqueras tienen un propósito muy importante y, si, tiene que ver con el dinero, lo cuál es bueno si se maneja del modo correcto. Aún así, las disqueras no deben ser seguidas o admiradas como a las bandas ya que son un medio y no un fin, es por eso que pienso que benerar a una disquera es estúpido. Puedo admirar las convicciones de las disqueras (como por ejemplo, las de Crass, Industrial y Dischord, por poner tres ejemplos), sus estrategias de negocios o sus rosters, pero nunca al punto de comprarme una camiseta o preferirla sobre una banda siendo que el sello no es una entidad creativa que nos da emociones y sonidos como un artista; las disqueras son el modo en que recibimos esas emociones y sonidos.
Tratar de hacer "lo mejor que se pudo hacer" para "ayudar" a Bardo Pond (o cualquier banda similar) es un punto de derrota para una disquera independiente, siendo que todo el propósito de la música independiente/underground es el de tener otra manera que no sea el de las grandes corporaciones y la cultura masiva. Bandas así son para permanecer en el underground ya que no están hechas para que a todos les gusten; si no, estoy seguro que Bardo estarian tocando algo más amigable que largos lamentos psicodélicos. Hay, por supuesto, otros artistas que tocan música que podrían gustarle a mas personas si les dan un empujoncito necesario, algo que saben muy bien al haber tenido a Interpol, los New Pornographers y Cat Power en sus filas, por nombrar a algunos. Hacer a una banda "tan grande como Interpol" no es la única definición de "éxito" (por cierto, ¿Por qué te refieres a Bardo Pond en términos pasados?).
Así que quiero aclarar:
1) No pienso que Matador sea "una gran montaña de mierda", pero tampoco pienso que es el paraiso absoluto de las disqueras; ninguna disquera lo es, por lo menos no por siempre si es una verdadera disquera y no una operación de medio tiempo o una tipo boutique.
2) Sobre Bardo Pond, fue excelente que sacaran cuatro discos de la banda y que los hayan apoyado en todo el tiempo que estuvieron con ustedes; mi punto fue que no son una banda de radio, no son banda de sencillos, no son una banda que vende toneladas de discos; no lo eran cuando los firmaron y no se volvieron una cuando sacaron su cuarto álbum con ustedes, se debieron dar cuenta. Yo (personalmente) pienso que una banda como BP son mas una que tienen sus fans que los apoyan pero que no se volverán los próximos líderes de lo que se ponga de moda en lo indie; siento que Bardo Pond se beneficia de una disquera que los apoya sin esperar ventas que suban como cohete. Por supuesto que, hablando empresarialmente, esto podría no ser posible y algunas decisiones tuvieron que hacerse.
Gerard, mientras tu me invitaste a mandarme "a la verga"; yo, por mi parte, me gustaría entrevistarte para que me pudieras explicar a mi y otros como ha sido manejar dos disqueras muy exitosas (escribo para alrededor de cuatro publicaciones de música en México mas otra de Inglaterra, estoy seguro que cualquiera estaría encantada publicarla). Puedes mandarme un mensaje a través del foro de Sonic Youth o por acá.
Sinceramente,
Marcos Hassan.
PD: Lean los comentarios del blog en inglés para ver la respuesta de Gerard.
Primero que nada quiero pedir disculpas a Jamie Stewart; el problema es que Jamie me mandó las respuestas a esta entrevista desde Diciembre del 2005 y yo hasta ahora he terminado de transcribir, corregir y escribirle una introducción a esta misma; así que por favor, espero que no este muy enojado conmigo.
Un sonido desgarrante desde el fondo de un alma adolorida, un alma de un estudiante de arte o un artista que estudia a su alrededor y sus antepasados, de sonidos ancestrales de otras culturas o de otras generaciones y otros generos, de ruido y pop, de ambigüidad o de cosas directas, de simplicidad o de complicaciones, de guitarras acústicas o de composiciones hechas en computadora; todo esto es Xiu Xiu (nombrados por una película china que muchos consideran como la película mas depresiva de todos los tiempos) y, aunque parezca que su música no tendría estructura o sentido, es uno de los grupos con canciones mas concisas y memorables de los últimos tiempos mientras desafían a lo convencional en cualquier momento. Formados de las raíces de IBOPA y Ten In The Swear Jar (de los cuales Xiu2 heredó "I Luv The Valley Oh!" y "Helsabot"), el único miembro original de la banda que queda es Jamie aunque sería muy injusto llamarlo un proyecto de solista ya que cualquier músico presente en cada uno de sus trabajos, contribuye al sonido final del mismo; por eso sus albumes y EPs (Knife Play, Chapel Of Chimes EP, A Promise, Fag Patrol EP, Fabulous Muscles, La Forêt, Life And Live, Tu Mi Piaci EP y su mas reciente The Air Force, entre otros) logran sonar diferentes entre si y a la vez tener esa misma sensación que produce la música de XX en general a las legiones de fans increiblemente apasionados. Algunos de los elementos que hacen característica a su música son el pop, la electrónica, el noise, el post punk (sobre todo The Smiths, The Cure y Joy Division), el folk, el clásico moderno avant garde, gamelan (música típica de Indonesia), Black Sabbath, dolor, corazones rotos, suicidio, la guerras, la política, arte.
Xiu Xiu han venido dos veces a México ya (una al DF y la otra a Guadalajara, me perdí ambas ocasiones) y esperemos que regresen pronto. A continuación, Jamie Stewart habló con Oscilador acerca de su modus operandi, sus influencias y un poco mas.
Marcos Hassan (Oscilador): Presentate
Jamie Stewart (Xiu Xiu): Jaime Cyrus Stewart
¿Cuales son las principales diferencias entre tus trabajos pasados y La Forêt?
El titulo es el principal, y hay diferentes canciones en este disco que en los otros.
¿Te sorprendió que Fabulous Muscles tuviera una respuesta tan positiva? ¿Crees que la gente ahora espera que tus discos sean Fabulous Muscles II?
Si y si, pero Fabulous Muscles II sería un movimiento calculado sin sentido y anti arte. Si hacemos disco para que nos feliciten, los hacemos para tratar de agregarle algo a la vida, para bien o para mal.
¿Habían pensado en un modelo a seguir cuando empezaron Xiu Xiu? ¿Cuál era su plan para el proyecto?
Mas o menos, si sabíamos que queríamos escribir siempre acerca de la vida real, la nuestra y la de gente a nuestro alrededor de forma clara y sabíamos en que géneros basarnos, pop gótico de los 80’s, dance, música asiática percusiva, clásico moderno y música noise.
¿Cómo escriben y hacen sus arreglos? ¿Es tradicional como una banda o son mas bien como collages de estudio?
Es un poquito de ambos. Hacemos mucha improvisación hecha desde ritmos o acordes muy muy básicos y luego le damos forma de canciones a las improvisaciones con la computadora. En canciones mas esparcidas, están escritas maneras mas tradicionales como sentados con una guitarra y un cuaderno viendo hacia la ventana sintiéndose ansiosos.
¿Fueron el movimiento lo-fi de principios de los 90’s y artistas como Lou Barlow con sus proyectos Sebadoh y Sentridoh grandes influencias en ustedes?
No, en verdad no. Cualquier cosa de poca fidelidad que tenemos viene de una falta de dinero, lo cual creo que fue el caso de Lou también.
¿Qué tiene de especial compartir tus secretos, miedos y vulnerabilidades con una grabadora de 4 canales o similar? ¿Será que el hiss del cassette es lo suficientemente cálido para poder abrirte?
De hecho usamos una computadora. No se porque compartir estas cosas es especial para mi o si siquiera es especial, solo parece lo correcto, no se por que.
¿Te es fácil sacar tus emociones a través de la música?
No pero es esencial, ¿eso me hará sonar como un mamón?
Para nada, de hecho, estoy de acuerdo contigo ¿Piensas que al (casi) eliminar notes y timbres tradicionales de tu música y al enfocarse mas en texturas, estas mas cerca de entregar una representación mas exacta de lo que quieres expresar en tus canciones?
Hacemos las cosas sin pensar tanto, haciendo sonidos que traten de reflejar el tema de las canciones, pero a veces los sonidos tradicionales son perfectos también. Es cierto que le ponemos mucho tiempo y esfuerzo a sonidos para su propia expresión.
¿El lado de guitarra acústica de su música es una manera de balancear un poco su lado atonal, o sirven para lo mismo de manera diferente?
Como dije arriba, algunas canciones parecen necesitar sonidos en particular.
¿Cómo es que el ruido queda dentro de su música? ¿Qué es lo que eso le aplica a ti y a tu música?
Que es violento y no especifico pero también intenso y sin control.
¿Piensas que estas haciendo música pop?
Si, bastantemente. Las canciones tienen palabras que usualmente puedes oír claramente y la mayoría tienen versos y coros.
¿Crees que tu música esta llena de una sensación de muerte?
Arriesgándome a sonar muy sentimental, ¿Qué no esta lleno de una sensación de muerte?
¿Piensas que tu música es un choque entre sentimientos e intelecto?
Toda la música es un choque entre sentimiento e intelecto, mas puramente que cualquier otra manera de hacer arte.
¿Cómo te hace sentir saber que inspiras una respuesta tan extrema en las personas que les gusta la banda?
Lo tengo que ignorar la mayor parte de las veces porque me pongo muy reflexivo y me freakeo pero ciertamente es mejor a ser considerado aburrido.
¿Por qué es tan importante para ti referirse a la política en tu música?
Es imposible de ignorar, es importante referirse a la política en todo en estos días.
¿Cómo reproducen toda su experimentación que hacen en sus discos en vivo? ¿Se basan en improvisación o hacen como Queen y cambian los arreglos por completo para poder tocarlos en concierto?
Tal vez en algún lugar en medio, tocamos con una caja de ritmos así que tenemos que practicar perfectamente algunas cosas pero otras las hacemos diferentes todas las noches o hay partes de canciones dedicadas a la improvisación.
¿Qué ha sido lo mas loco o cagado que te ha pasado sobre el escenario? ¿Qué tal lo mejor?
Lo mas loco AGHHHHHHH!!!!!! Tan tonto, no en esta banda pero en otra pasada la clásica y retrasada mamada en el escenario, pero fue con un drag queen que me tenia obsesionado desde que tenia 18 años. ¿Lo mejor? Pienso que tocar frente a gente buena y apoyadora y hacer lomejor que podamos esa noche es lo mejor.
¿Cómo fue tu experiencia de tocar en México?
Locura y las 24 horas mas divertidas que he tenido en mi vida.
¿Qué piensas del estado musical en estos días?
No preguntes, voy a empezar a tirar pura mierda. Ugh.
¿De dónde sale su obsesión con Black Sabbath y por qué?
¿Los has escuchado? Si lo has hecho entonces no necesitarías preguntar.
Auch!! ¿Si alguien quisiera empezar a oír gamelan, que les dirías y que les recomendarías que oyeran?
Cualquier disco grabado en los 1950’s por el Instituto Smithsoniano pero no hay discos malos de gamelan, es música inherentemente perfecta. Solo asegúrense de que no sea hecha por universitarios blancos hippies.
¿Qué has estado escuchando últimamente?
Extrañamento el Disco Azul de Weezer, no tengo una buena explicación para eso.
¿Qué sigue para ustedes?
Mas gira y vamos a la mitad de grabar nuestro próximo disco que creo se llamará Boy Soprano(ED: Se llamará The Air Force). También tenemos algunos 7” splits que saldrán pronto con Paper Chase, Kill Me Tomorrow y Dead Science, así como música para una película de Robert Reis y una obra de teatro de Ken Urban.
TV On The Radio Desperate Youth, Blood Thirsty Babes 2004, Touch & Go
Este álbum fiestero de bajo distorsionado, armonías vocales y ambiento infernal o de cualquier lugar a las 4 de la mañana salió hace 2 años y no fue ignorado, ah no para nada que lo fue; de hecho fue uno de los mejores discos del año, incluso llegó a ocupar puestos en las listas de final del año de muchas personas y demás; un año antes sacaron un EP llamado Young Liars que fue bien recibido pero este es el disco que tomó a todo el mundo por sorpresa en una era de bandas retro post punk y gente aún mas despreciable, el cual era una bocanada de aire fresco, ese algo tan fresco y original que salía de este disco, complejo pero a la vez simple, con instrumentación rara pero estandar en el rock n’ roll, era algo bendito, te digo, aunque tal vez no tenga que decirte, hipster.
La banda esta basada en el bajo pero esto no quiere decir que tienen algo en común con el funk o el reggae, los tipos de música básicos basados en el bajo, no hay slap aquí no hay riffs melódicamente rítmicos; hay muchos riffs de bajo pero casi ninguno es bailable; y para que el insulto duela aun mas, usan una caja de ritmos y su música no es bailable; tal vez les parezca raro, chance inclusive los saque de pedo pero, créanme, eso es parte de la apreciación de algo muy chingón. Así que chequemos, hay bajo, nada funky o bailable pero brutal como el motivo melódico de la música como base de sus collages sónicos, algunas veces distorsionado, siempre en comando. Caja de ritmos, casi nunca sacando ritmos bailables, casi siempre tomando su lugar en el fondo, con ropa de camouflage y con maquillaje verde y café en la cara; de hecho, el beat mas bien es llevado por el bajo mientras que la caja de ritmos agrega pequeños cambios sobre sus líneas, noten que digo que el bajo “lleva el beat” y no que crea ritmos porque crear ritmos lleva a bailar y alborotarse por todos lados y eso no es lo que pasa por aca, por lo menos no por la superficie. Este es el molde en el que los otros instrumentos y las armonías vocales se espolvorean, teclados raros se asoman por todos lados, la primer rola y ultima rola tienen un saxofón resonante, de vez en nunca las guitarras rechinan algunas notas solo para hacerlo mas raro y mas texturizado, como una piedra envuelta en terciopelo; pero son las voces los personajes principales en este campo sonoro, mas de una, como las voces en tu cabeza, aunque estas no gritan o suben mucho de nivel; la mayor parte de las veces, estas están cantando, tratando de interceptarse en campo auditivo, tratando de capturar el final de una y complementando a la otra, tal vez negando a la primera o desplazando a la última, saliendo de todos lados sin saber a donde caerán y dejaran a una sola o cuando atacaran o si dejarán de atacar, acordando en desacordar y decir lo mismo al mismo tiempo reforzando la idea, la verdad: La Melodía, porque solo la melodía nos puede salvar de nosotros mismos, de las voces en nuestra cabeza, de la lluvia y del hiss del cassette; esta aliada a nosotros o dividirá y conquistará y el disco es el campo de batalla, peleando para que todo se termine...y ¿terminará? No puedo saberlo desde aquí pero ¿quién puede ganar si aquellos que pelean son uno mismo? Esto es las explosiones y las luces de la guerra hecha música...y música muy buena, si pudiera agregar.
No puedo creer que no haya hecho un post de Sonic Youth hasta ahora, ya que estos son mis santos patronos (de hecho, no he hecho ni un post the mis bandas favoritas...hmmm); creo que no necesitan introducción, banda que junta el mundo del arte, el ruido, el punk, la cultura pop y la vanguardia en una conveniente banda de rock, básicamente, cada que sacan un disco inventan un género, y han sido parte de mas escenas musicales que probablemente cualquiera. Bueno los que conocen a Sonic Youth por solo sus últimos discos o por "Kool Thing" y sus otros singles, entonces preparence para una gran sorpresa, aunque este disco no es tan punk, misántropo u oscuro como su predecesor, Confusion Is Sex, aún así este disco es bastante denso. La mayor parte de las canciones no son canciones por decirlo así, la mayor parte es como un verso gigante que modula hacia algo mas, la mayor parte cuenta música casi drone en el sentido que hay muy poca variedad en los riffs o sonidos, mas bien llegan a obtener un sonido cada uno y se quedan con el para seguir adelante y contar sus historias. Todo esto para llegar a la canción que originalmente cerraba el disco: "Death Valley 69", lo que hace a este disco extraordinario es que todos los ambientes de sonido suben y bajan como una sola pieza musical pero al final terminar para dar paso a una rocker; con riffs, versos y coros y todo el pedo; acompañado por Lydia Lunch, Thurston Moore cuenta una historia tan macabra como todo lo que ya había precedido en el disco, pero esta vez mas en forma, y mientras ciertas bandas que empiezan con sonidos experimentales y poco convencionales, cuando tratan de escribir una canción en un formato común acaban oyendose forzados y sin talento, Sonic Youth se oyen mas como ellos que nunca, es como oir la evolución de 10 años de una banda saltandose una canción a otra.
Arab Strap Monday At The Hug And Pint 2003, Chemikal Underground/Matador
Gracias a mi muy buen amigo Paul B, he descubierto otra gema de album y otra banda bien chingona, ya saben, otra banda mas para buscar su discografía y escuchar lo mas que se pueda, ya saben como es, estas escuchando algo nuevo, que nunca antes sabías si quiera que existía cuando MADRES!!! te golpea y caes por todo el peso sónico que acabas de soportar, pero ¿será por eso que duele tanto? o ¿no será acaso por algo mas que duele? algo que sabíamos que alguna vez dolía pero pensamos que eso se había acabado, que la cicatríz había cerrado pero que en verdad eso seguía igual, solo que dejamos de pensar en ello pero de alguna manera picamos la herida y vuelve a sangrar...si, estoy hablando de heridas emosionales, de las que no se ven pero se sienten bastante mal, sobre todo si no cierra por completo, cosas que dejamos pasar y solo se necesita un poco de viento o tal vez una canción con instrumentación extraña, programación de caja de ritmos y alguién con una voz muy deprimente para que todo eso regrese a la superficie y nos haga sentir de nuevo, i de alguna manera, eso parezca como lo mejor que pueda suceder, sentirse bien al tener que sentirse mal por algo que había pasado.
Sde lo que estoy hablando aquí es de Arab Strap, banda de Escocia, la cual es también patria de Belle & Sebastian y Mogwai quienes en varios puntos del tiempo y dependiendo de donde y por qué los estas escuchando, son pocamadre. El titulo de esta entrada viene de que he estado oyendo bastante a Mogwai (lo cual es comprensible porque vienen pronto a México) y que apenas hasta hace poco me volví fan de B&S, así que en vez de buscar el otro proyecto alterno de Boredoms al cual venerar, he estado disfrutando de los sonidos provenientes de las tierras del Jardinero Willie y el monstruo del Lago Ness. Arab consiste de dos tipos: Aidan Moffett (quién canata y escribe lo que canta) y Malcolm Middleton (el que hace la música), y como muchos otros duos de los chingones, hacen un desmadre de proporciones sinfónicos con muy poca gente. Han estado desde 1995, y tienen un albún medio nuevo llamado The Last Romance y han sido o llamados la banda mas chingona de todos los tiempos o ignorados por el mundo. Me dan pena los que hacen eso.
El disco, como ya lo había dicho, esta lleno de instrumentación y cajas de ritmos que denotan los humores de soledad, angustia y añoranza por el dulce sabor de amor mortal...ya que dije eso (y si, esas palabras estan muy mamonas, lo reconozco, trate de ponerlo en el contexto menos mamón posible), la música no es nada cursi, va de sutil y sombría en su presentación austera a completamente caotica y frenética manteniendo un estado de calma que se puede percibir que nos dice que no esta bien sentir tanto y tocar tan fuerte y aun estar parado en tierra firme, esta mal que esto es ahora pero así es, esta pasando y eso es lo que sientes cuando el 808 colapsa con los instrumentos de cuerda con arco mientras el feedback aún suena a través de la tristeza, de lo mojadas que se sienten las lagrimas al ser recogidas por el dedo indice y ese deseo de que ESA persona te diga "Todo va a estar bien", mientras sigues sentado y esperas y quisieras que algun espectro llegara a a bailar el último waltz de la fiesta; pero en vez, buscas en tu bolsillo para poder realizar una llamada, a quién sea, tus amigos, tu mama, la línea antisuicida y solo hablar y oir las quejas de tu propia voz.
