RESEÑA: The Pains Of Being Pure At Heart - The Pains Of Being Pure At Heart

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A primera escuchada, The Pains Of Being Pure At Heart se oyen como otro grupo más de shoegazer que compraron la discografía entera de 4AD (sin mencionar los EPs de My Bloody Valentine) que intentan lograr los excesos sónicos de sus predecesores detras de sus melodías susurradas; sin embargo, el énfasis que le pone la banda a su música es a...bueno, a su música en sí, en concreto a sus rolas.

Con ritmos animados y voces tranquilas pero agudas cantando cosas muy melódicas, se puede notar un aire a Belle & Sebastian o Los Campesinos! inclusive (lo bueno es que no los comparó con el colectivo galés del signo de admiración solo porque se parecen los nombres y porque han tocado juntos, como Pitchfork con Hello Seahorse!), pero a la vez con las guitarras afectadas bastante como banda de Creation Records de principios de los 90's. Lo cuál está muy bien y todo pero no del todo.

Al comenzar el disco con "Contender", y ejemplificado en otras rolas como "Young Adult Friction", nos demuestran que pueden escribir canciones buenas, con coros cantables que no se desgastan a primeras de cambio, pero la mayoría de las canciones no corren con la misma suerte, teniendo coros a medias y melodías casi compuestas; hay veces, como en "The Tenure Itch", que sus melodías y arreglos suenan tan derivativos de otras bandas pasadas y, por el final del disco, derivativos de sus primeras canciones del mismo disco que hasta pienso que se quedaron sin ideas a la mitad de las rolas y ya se apuraron para completar el disco.

Sin embargo el sonido del disco -animoso, contento, ruidoso por muy poquito, a paso rapidón- se oye chido para pasear contento por la calle o por los jardines de la vecina solterona que odia que pisen su prado, pensando en perritos (pero no el de Taco Bell, para eso es Funeral o My Dying Bride), jellybeans y lo padre que la pases con tu ser querido y como es hermoso y solo un poco atemorizante que el sol es una masa inmensa de fuego que nos alumbra y hace que veamos los colores de las cosas; todo eso que te hace dar vueltas o salir brincoteando a la tienda. Nada más que para la próxima no se les olviden las rolas, ¿Ok?







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Slumberland Records
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Myspace
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Calvinismo Con K

Oh Calvin, ¿Quién te viera entre tus discípulos?
¿Quién pudiera tocarte y llevar tu palabra ante todos los demás mortales?
¿Quién podría bajarte de tu pedestal?
Oh Calvin, tu culto te encierra

O esto es algo que los críticos de los 90’s quisieran que pasara; como una versión nueva de “Alex Chilton” de los Replacements, pero esta vez los chicos por millones se rinden a los pies del que presume la barriga y nunca viajaré lejos sin un escudo alrededor de una “K”.

He leído un poco sobre Beat Happening, K Records y, obviamente, Calvin Johnson; sobre su manera de hablar como de los 50’s, sobre sus fiestas de hornear pays y sobre sus tocadas austeras, sobre su papel en la escuela Evergreen y sobre su inspiración a otros músicos. También he leído mucho de lo grande que es su culto, de cómo había gente que le seguía su juego y se vestía, expresaba y hablaba como Johnson para poder ser como él, de cómo su arrogancia creció como la de muchos otros rockeros, en el mainstream o el underground, cuando la gente empezaba a tratar de ser como él, y como no estaba bien que sucediera esto. Hasta Kurt Cobain, portador de la K escudada, lo denunció en entrevistas y su diario.

Pero en verdad ¿Cuánta gente conoce a Calvin Johnson, siquiera de nombre? Y, de todos ellos, ¿Cuántos le rinden culto de personalidad y lo hacen alguien más que hombre?

La respuesta es a) muy pocos y b) aún menos.

Las ideas y, sobre todo, música de Calvin son por definición difíciles de que la gente en masa les guste; son grabaciones muy crudas, la instrumentación muy austera y la técnica casi nula (apuesto lo que quieran que si les enseñan a algún fan de los Killers o Kings of Leon una rola del primer disco de Beat Happening, les dirán que no saben cantar. ¡Anden, inténtenlo!), todo esto está hecho a propósito porque así es como Calvin quiere que escuchemos a sus proyectos, y es el nivel en el que quiere quedarse, nunca ir por más gente que lo escuche. Pero, cuando oigo su nombre, como que pienso en alguien tipo Morrissey, así un mamón interesante que se hace la diva pero no deja de ser divertido ni de poder (o haber podido) expresarse de manera que te identificaras con él tanto; pero Don Smiths es mucho más conocido que Calvin lo será en su vida; por algún motivo, la leyenda de Johnson es más grande que el hombre, y menos conocida.

La respuesta al porque los críticos hicieron tanto alarde puede ser que Calvin Johnson se basa e inició la música independiente en Olympia, Washington; pueblo con una universidad progresista a la cual atendieron gente que va de Kathleen Hanna a Matt Groening, pueblo a escasos kilómetros de Seattle (hablamos en su mera mera época del grunge), pueblo que vio nacer el movimiento Riot Grrrl con Bikini Kill, Bratmobile, Heavens To Betsy y la disquera Kill Rock Stars. Es decir, un pueblo muy visible a finales de los 80’s y principios de los 90’s, en un área donde los medios estaban muy presentes en ese periodo, haciendo ver todo como si fuera más grande lo que en verdad fue. Calvin Johnson en 1991 puede que tuviera un par de miles de fans en EUA, pero esos mismos fans se expresaban tanto de él que bien pudieron ser millones.

El culto de Calvin, sin embargo, sirve de poco o nada hoy en día.

Pero me agrada la idea del culto de Calvin hoy en día.

Simplemente porque Calvin, o mi idea de él, me agrada.

Beat Happening es una de esas bandas que me encantan pero que no escucho seguido, y son de esas bandas que me debería gustar más su manera de hacer las cosas que su música pero que en verdad me gusta más su música que nada. Sus canciones son pegajosas, puedes cantar con ellos y todo, pero el asunto es que se oye increíblemente simple; son acordes de guitarra básicos salidos de un amplificador de práctica con baterías de cartón que apenas y llevan un ritmo semi-constante sobre las cuales melodías igual de simples son entonadas medio mal por Calvin y Heather Lewis, hablando de dulces, bailes bajo el mar, espías, secretos y cementerios; todo debería ser así simple, sin misterio ni profundidad pero yo siempre oigo que hay más.

Igual y es como esa célebre frase de B.B. King que es algo así de que importa escuchar tanto las notas que no se tocan como las que se tocan (citado por Lisa Simpson, un güey le contesta “Pffff...eso lo puedo hacer en mi casa”); Beat Happening, con sus repeticiones y líneas básicas de guitarra, me hacen sentir más emoción que mucha música, me hacen sentir emoción de afuera hacia adentro; casi no es nada de mi parte, no es por nostalgia o por buscar una canción desolada, es porque ellos me hacen sentir su tristeza, su lujuria y su nostalgia. Y simpatizo con ellos.

Cuando escucho a Calvin o a Heather cantando casi o de plano a capella, igual y si se siente inmediato, pero a la vez siento como que esas grabaciones vienen de otro tiempo, de otro lugar y que no debería estar escuchando; es como leer un poema bien profundo, triste y hermoso que encontraste escrito en los calzones de alguien. Y eso me hace sentir, me hace sentir cosas que puedo explicar bien o que no puedo explicar y que no puedo escribir y que cuando lo escucho descanso porque digo “Eso”, es eso, sin saber que lo sentí o lo siento.

De igual manera, Calvin es como un tipo mítico; provocando disgusto ante punks al alzarse su camiseta para enseñar su barriga y actuar lo menos macho posible, inspirador al ir por todo su pueblo para grabar a gente común cantando sin ningún acompañamiento en su cassettera, y mítico solo por ser mítico al crearse una personalidad un poco ambigua pero juguetona, aniñándose para hacer su propio mundo, haciendo lo complicado de su vida aún más vívido. Y pues simplemente divertido, entre toda la reflexión y los sentimientos encontrados; esta es mi idea de Calvin, y con eso me quedo.

Calvin es una figura muy influeyente, eso que ni que; tanto en contemporáneos suyos como The Pastels, the Vaselines y las bandas de Flying Nun como en el emo melódico de finales de los 90’s, así como inspirando a Belle & Sebastian, Camera Obscura, Los Campesinos! y The Pains of Being Pure at Heart, entre miles de millones alrededor del mundo. Estas bandas se atreven a ser delicadas, melódicas, melancólicas, graciosas e íntimas; al igual que Beat Happening.

Yo solo me siento bien sabiendo que Calvin está allá afuera.
Eso me agrada.

RESEÑA: Camera Obscura - My Maudlin Career

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Tracyanne Campbell y compañía regresa después del enorme Let's Get Out Of This Country del 2006, cuyas canciones de letras tristonas y poéticas pero con melodías y ritmos que iban del vals a lo animado creaba un disco muy bien hecho, completo, memorable y que se podía escuchar una y otra vez. Tres años después, la banda de Glasgow regresa con un disco muy parecido en la superficie a su trabajo pasado, con Tracyanne cantando bonito pero contemplativa, con arreglos algo sesenteros sin caer en lo retro y con estructuras animadas y poperas; aunque esta vez las melodías y estructuras no son tan memorables como en el pasado, incluso parece que Tracyanne se está repitiendo en la manera en la que canta, sin agregar mucho excepto que esta vez las letras son aún más tristes, dejando las rolas a medio camino de ser completamente desarrolladas; un poco como si fueran b-sides de Let's Get Out Of This Country. Igual y es por el impacto de ese disco, de como rola tras rola eran diferentes, cantables y buenas a su propia manera para hacer un disco excelente, y pues no es como que este es un disco malo, sino que no es tan genial como Let's Get Out..., lo cual no tiene nada de malo. En un aspecto en el que la banda ha sabido superarse es en los arreglos, afinando la incorporación de sus instrumentos más los sonidos extras para hacer que las canciones se oigan más grandes. Al final, My Maudlin Career es un disco que demuestra todos los elementos que hacen el sonido de Camera Obscura de manera competente y, teniendo rolas como "James" y la que le da título al álbum, lo hacen algo muy recomendable para escucharse.

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La Primer Estrella Que Vea...

Originalmente quería hablar de Jimmy Eat World en general pero, viendo que el año que entra marcará el décimo aniversario de este disco, pensé en escribir específicamente sobre él; de cualquier modo, la mayoría de los puntos no cambian si se enfoca a disco o a banda.

Me encontré con Jimmy Eat World a finales de los 90's, mientras investigaba los sonidos de la entonces intrigante etiqueta "emo" que a nadie le agradaba y ahora es mucho más odiada; aún así, no los escuché sino hasta principios de los 00's cuando bajé dos de sus canciones, "Opener" y el demo de "If You Don't, Don't" del entonces-por salir Bleed American. Me sentí identificado con ambas canciones y me gustaron.

Tiempo después encontré Clarity, mientras investigaba más acerca de la carrera de la banda; lo cagado es que no me acuerdo bien de la primera vez que lo escuché , recuerdo no haber pensado o sentido mucho después, lo cual es raro para mí. Ahora es uno de mis discos favoritos, no porque sea un parte aguas de sonidos (lo cuál no es) o letras, pero es una colección de canciones que tienen tan buenos arreglos, secuencia y ejecución que, y esto es lo más importante para mí, puedo verme en ellas y me hacen sentir algo (que es algo que me pasa con todos mis discos favoritos, ya sea el Lapsed de Bardo Pond, el Super AE de los Boredoms, el Die Asche Eines Lebens de Wigrid o el Venereology de Merzbow).

Las rolas son entregadas con sinceridad pero sin mucha ambigüedad o especificación, la música e imágenes líricas están balanceadas de tal manera que evocan algo personal para tí, mientras te hacen cantar con ellos; es un excelente disco para ahogarte en tu propia miseria o para acabarte la voz gritando de emoción.

Una de mis cosas favoritas de este álbum es la continuidad en toda su duración, especialmente durante la primer mitad; "Believe In What You Want" bien podría ser una sección de "Your New Aesthetic" mientras que la melodía vocal de los versos de "Crush" no es tan diferente de algunas encontradas en la canción anterior, "A Sunday", al punto que "Crush" bien pudiera ser una continuación más agresiva de la otra rola. Otro aspecto chido de este disco es el uso de cuerdas que es tan común en el pop desechable de hoy pero que aquí no se oye ni cursi ni abaratado, sino ayuda a llenar el espectro sonoro, dándolo un algo extra que podría faltar.

Las partes rockeras son apasionadas y fuertes, mientras que las más tranquilas son melancólicas y serias, pero nada es lo que parece; la ya mencionada "Crush" puede que se oiga violenta (para sus estandares) pero en actualidad es un tema eufórico acerca de sentirse bien y feliz, mientras "A Sunday", que es más triste, habla de perder a alguién gracias a las malas decisiones y las drogas. Por supuesto que los coros de "Like a breathe" y "As the haze clears from your eyes, on a Sunday" pueden tener interpretaciones diferentes para los diferentes escuchas y eso es parte de lo grandioso de este disco, de gran forma.

No se puede negar que este disco tiene una rola central, en la forma de "Just Watch The Fireworks", una rola que empieza bastante simple, tanto musical como líricamente, con arpeggios adornando los versos, un beat de bataca al punto, y letras describiendo...pues...ver fuegos artificiales, la promesa de verlos "contigo"; las cuerdas entrande manera que intruyen muy poco, como hasta ese momento han sido en el disco; la verdadera parte jugosa de la canción llega en la parte del bridge cuando Jim Adkins "said said said out loud over and over mientras las cuerdas le agregan a la rola sin volverlo un momento de power ballad pendeja, solo dándole a la música suficiente fuerza sin que tuvieran que recaer en la distorsión, añadiéndole un sentimiento más noble, el cuál es reflejado en la parte ya mencionada en la que Jim canta "over and over" después de la que él "parará ahora, lo suficiente para escucharte, me quedaré aquí todo el tiempo que se necesite" ("...stop now, just enough so i can hear you, i'll stay up as long as it takes"). Transforma la letra de la rola de un lamento de una persona solitaria extrañando a un ser físico, transformando a ese ser en alguien que chance ya no está entre nosotros, sale de algo completamente específico (deseando que un cierto alguien estuviera viendo los fuegos artificiales contigo) a algo más ambiguo, ¿Parando en ese momento para oír a una persona o alguién en tú memoria? La manera en la que el resto de la canción se desenvuelve es tanto una confesión emocional como un cántico de celebración, "el tiempo que se necesite" ("as long as it takes") es tanto un lamento de tristeza por tratar de retener a alguien como lo es un grito de felicidad por estar con esa persona compartiendo ese momento para ver los fuegos artificiales, de alguna manera intangible. No es agridulce, es tanto agrio (o más bien melancólico) como lo es dulce.

Mi línea favorita en todo el disco es probablemente "the first star i see, may not be, a star", de una canción que significa mucho para mí en estos momentos de mi vida, "For Me This Is Heaven" contiene algo de la música más ambiciosa que la banda haya usado en el formato de una canción concisa, mientras hace preguntas grandes para gente pequeña; habla del fin del tiempo que tenemos, sobre si no se deja sentir feliz en ese momento entonces ¿Cuando? Y sobre aún sentir las mariposas Y el último adios. ¿Es eso en verdad el cielo? ¿Será "la comodidad de sentirse triste" ("the comfort of being sad" como lo planteó Kurt Cobain) o será de aún sentirse de manera sublime sobre algo que ya terminó pero se sigue apreciando, ya que no sabemos cuando se terminará nuestro tiempo? Mientras me pregunto todo esto (después de todo, no me importa si esas preguntas tratan acerca de algo específico de Jim o de alguien más de la banda; las canciones son de cosas que yo me puedo identificar, por eso son importantes para mí), no puedo dejar de sentir que no hay necesidad de responder porque ya siento de que se trata. Cada que escucho esta canción, siento que no solo es de algo que sé y entiendo, sino también siento que es de algo de mí.

Me gustan todas las rolas del disco, pero "Goodbye Sky Harbour" ocupa un lugar especial para mí, porque demuestra que tan buenos artistas Jimmy Eat World son; en términos de letra, es la canción más corta del álbum pero musicalmente, es la más larga; la letra no está cortada por ser pequeña, de hecho, es tan buena tan expresiva como las del resto del disco, apoyandose en imagenes más simples. La música continua con el toque angular Dischord-eano de rockear que presentan en los momentos más duros de Clarity, pero pronto lo deja por un instrumental de tiempo calmado pero fracturado, en capaz y repetitivo, recordando un poco a Slint, Tortoise, Tristeza y Mogwai de principios, en lo que Jim pone capa sobre capa de voces sin palabras, acumulando una gran masa de ellas cuando la banda se calla para dejarlas y un track de IDM se pone al fondo de ellas, otro instrumental electrónico esta vez algo bailable pero algo retable que se inclina de lado de Autechre o de algunos trabajos de Aphex Twin. Un final épico para un disco épico.

Este es un disco muy personal para mí, no puedo pensar mucho de él objetivamente, aunque es posible que este sea el caso para todos a los que les gusta, por diseño. Hay algo raramente cálido y melancólico dentro de sus canciones, especialemente es estas, que las hace sentir como algo que poner en un día tristón durante tu adolescencia, o cuando piensas en alguien con quién no estas, por alguna razón u otra; chance si le bajas un poquito al volumen, hay una posibilidad que puedas escucharlo(a) dentro de estas canciones.

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Jimmy Eat World - Lucky Denver Mint.mp3
Jimmy Eat World - Crush.mp3
Jimmy Eat World - For Me This Is Heaven (live at La Scala, London 2002).mp3
Jimmy Eat World - Goodbye Sky Harbour (live al La Scala, London 2002).mp3

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Millones Viviendo Ahora Se Pondrán A Cantar

Windsor For The Derby
How We Lost
Secretly Canadian
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El indie pop tipo shoegazer ha tenido mucho auge durante los últimos cuantos años en círculos semi-underground, pero ¿Que hay del indie pop con tendencias a instrumentación más atmosférica? Claro, hay un chingo de Mogwais-lite en todos lados, aún así, esas bandas son difícilmente cosas con las que se puede cantar, ¿o no? Mientras que la música de Windsor For The Derby es ambiciosa instrumentalmente hablando, no es lo suficientemente matemática para que pueda ser comparada con la de Unwound y secuaces, pero tampoco es lo suficientemente minimalista para entrar en una categoría mamona como "música cerebral de audifonos fácil de agradar a hipsters". Windsor, en sus momentos más profundos, me recuerdan a Tortoise, Seefeel y al roster de Kranky, pero no temen usar voces melódicas, aunque tampoco se sueltan del todo, lo cuál resulta ser no tan sorpresivo considerando que han sacado cosas en disqueras como Trance Syndicate y Young God. La banda también tiene la valentía de incluir algunas canciones más simples, más roqueras (sin salir del estilo) y más pegajosas que te hacen querer bailar o brincar o algo entre los dos; ¿Cómo le hacen para balancear las escritas en reacción directa con las más ambientales? Pues tomando de ejemplo a Stereolab, por supuesto, haciéndolo divertido y usando uno que otro truco aprendido de los álbumes de Neu!; y, aunque el material de aquí es difícilmente tan bueno como lo de Stereolab y puedes escuchar algo de separación entre los dos bandos de tipo de rolas, Windsor escriben canciones lo suficientemente buenas como para dejarles pasar por alto esos pormenores. Más que nada, una escuchada divertida que no daña a nadie.

Windsor For The Derby - Maladies.mp3
Windsor For The Derby - Good Things.mp3

No le puedo decir que no a Depeche Mode

El año pasado (y principio de este) fue el año de Depeche Mode como no lo había sido desde 1990, cuando sacaron Violator y se volvieron la banda mas grande del mundo por un año especial; la banda sacó Playing The Angel a las masas, las cuales respondieron con fervor al colocarlo en las listas de los mas vendidos y todo, se fueron de gira hasta Urano, vinieron a México, vendiendo el estadio entero del Foro Sol en menos de una hora, lo que hizo obligarlos a abrir una segunda fecha que se vendió aún más rápido!!! Fue tanto el año de Depeche Mode que me hizo apartarme de ellos lo mas que pudiera, estaba harto de ellos; no es que no me gustará Playing The Angel, fue de mis discos favoritos del año y no es que pensara que por fin, después de veintitantos años de fama por fin mostraban arrogancia (no creo que sean físicamente capaces de serlo), es solo que era mucho de Depeche Mode, no podía escarparlos, se oían en todos lados, gente que normalmente viste camisetas de U2, ahora llevaban camisetas de DM, era mucho para mí. Jamás habían experimentado algo así con la banda; siempre que me han gustado, han sido una banda de culto, aunque sus sencillos y videos siempre fueron programados bastante, pero nunca a un nivel de ver a TODO EL PINCHE MUNDO SIENDO FAN DE LA BANDA, gente que no tiene ni puta idea de la música, me ennerva mucho.

Me recuerda un poco a la época en la que los conocí...si, es otro cuento de como al principio odiaba a cierta banda solo para que después me diera cuenta de lo geniales que son. Recuerdo muy bien tener una conversación con alguién en el cuál yo defendía los meritos artísticos y musicales de Pearl Jam (la gente que me conoce le parecerá muy raro esto) y esta persona cuestionandome si era fan también de Depeche Mode, lo cual negué rotundamente o, más bien, ya que en ese entonces tenía como 12 años, dije que eran unos "pinches puñales horribles que tienen miedo a las guitarras" (ahora que lo pienso, mi forma de expresarme no ha cambiado mucho desde entonces) y que su música era atróz, la otra persona replicó diciendo que no me podía gustar Pearl Jam y odiar a Depeche Mode al mismo tiempo lo que se me hace completamente idiota, ya que no tienen nada que ver una banda con la otra, como comparar a Westlife con the Velvet Underground (aún que fueran dos bandas con estilos muy parecidos, el gusto puede ser diferente, más que nada porque el caso mas probable es que una de ambas este inspirada por la otra y, por tanto, la subsecuente siendo de poca inspiración y nada novedosa como la otra a la que se compara), tuve un repudio muy fuerte, probablemente por su imágen, su falta de distorsión y guitarras (en esos entonces, yo tenía un dicho que si no tiene distorsión entonces no servía) y su popularidad, aunque era la época de Songs Of Faith And Devotion. Fue hasta años después cuando lanzaron Ultra y escuché "Barrel Of A Gun" que oí y, más importante, sentí lo bueno que eran y, en parte, me ayudaron a menterme en la electrónica; en ese sentido, el sencillo era el perfecto crossover para mi, con sus cajas de ritmos fuertes, guitarras con wah en el fondo y su sentido de agresividad inminente, ¿Cómo podía decir que no? Sobre todo porque venía de estar escuchando a Nine Inch Nails y a Ministry.



Es raro que una banda así se vuelva de mis favoritas, una banda increiblemente popular y con canciones de radio; en el DVD que viene en su Best Of, el cuál han estado pasando en VH1, Martin Gore o Alan Wilder o alguién más dice algo así como que al principio, la banda no sabía si querían ser una banda mas de culto o completamente comercial y, la verdad a la que se puede concluir con solo un vistazo a su trayectoria es que consiguieron ambos; su música no es sosa y vacia, sino todo lo contrario, teniendo un minimalismo oscuro texturizado el cuál les puede servir de plataforma para la experimentación, incorporando todo desde el blues mas puro ("Personal Jesus", "I Feel You") hasta el más aventurado (los licks acústicos mas los beats amórfos al estilo IDM de "Dream On"). Pero lo que me engancha en verdad son las vocales, yo soy una persona que no le gustan las voces severamente pulidas y no le presto mucha atención a las letras, más si me gustan las melodias vocales bien hechas (lo cuál explica porque me gustan muchas cosas pop); con Depeche Mode, la melodía vocal en cada una de las canciones es tan parte de la instrumentación y los arreglos que, de dejar las canciones sin estas, se oirían mediocres; las melodías y las palabras de las letras se integran tan bien que es imposible no prestarles atención, y las letras tienden a ser desde rimas perfectas ("Promises me I'm as safe as houses/As long as I remember who's wearing the trousers") hasta historias y reflexiones detalladas ("Blasphemous Rumours"), gritando porque tú las grites a la vez, y entregadas con gran potencia por Dave Gahan (y, a veces, por el compositor principal, Martin Gore), quién es probablemente el único vocalista que puede cantar "bien" todo el tiempo y no cansarme en ningún momento. Más que nada, Depeche Mode es temáticamente, no solo en las letras, sino en la instrumentación, los arreglos, las voces, el sentimiento, etc. sobre la pasión que puede llegar a tener la obsesión, desde lo más simple como el de entenderse con otra persona o poner un riff de dos notas de guitarra atrás de una pared de sintes hasta las relaciones humanas más profundas, sobre el amor y el sexo, el interés y el estrés de querer a alguién tanto por lo que nos pueden llenar, al punto de sentir una redención interna que llegue hasta al punto mas lejano del alma en el que el beso mas tierno y el orgasmo mas salvaje tienen un punto especial que nos definé y nos hace sentir parte del universo y absuletos del paso del tiempo al mismo tiempo; por eso, no me extraña que Violator ha tenido y tiene un vínculo muy cabron entre mi preferencia por él y la mayoría de las chavas en las que me he interesado.

Me he hartado tanto de Depeche Mode que no los he oído en un ratote (también sigo un poco enchilado por no haber podido ir a verlos en concierto), hace como un año que no oigo Playing The Angel; pero, al ver el documental anteriormente mencionado en VH1 (porquería de canal, aunque pasan muy buenas películas y en su segmento Clásico a veces ponen buenas cosas, como "She Don't Use Jelly" de Flaming Lips), no pude resistirme y decidí volver a escucharlos y es que, la verdad, no le puedo decir que no a Depeche Mode, simplemente no puedo negarme a su música.



Por eso aquí les comparto un mini mix que hice de las canciones que mas me han estado rayando en esta semana de Depeche Mode.

Depeche Mode - Pop Obsessed

01. Useless
02. Strangelove
03. Blasphemous Rumours
04. Walking In My Shoes
05. Halo
06. People Are People
07. When The Body Speaks
08. Enjoy The Silence

Depeche Mode - Pop Obsessed.zip

Los Nuevos Padrinos Del Indie Rock

Yes
Fragile
1972, Atlantic

¿Cómo es que me vuelvo fan de una banda de rock progresivo de los 70's a través de discos de música "indie" melódica? Aunque suene a algo idiota, eso es justo lo que me pasó a mi.

Hace algunos meses que escuché el At War With The Mystics de the Flaming Lips por primera vez y que por ser la primera vez no me había gustado casi nada ese disco, insistí y lo volví a escuchar, esta vez mi opnión había cambiado pero a la vez algo había surgido en mi mente. En esa segunda ocasión que escuche el disco de Wayne Coyne y secuaces, las dos únicas canciones que no me convencían eran "The Yeah Yeah Yeah Song" y "New Radicals", pero de "Sound Of Failure..." en adelante la música se oía mejor cada vez y también familiar. Al principio se me figuró como un poco Pink Floydesca, pero eso no era exactamente a lo que me recordaba, en verdad a quienes me recordaban eran a Yes, algunos de esos riffs donde el bajo y la guitarra se encontraban tocando interconectados, algunos momentos de teclados e inclusive la voz de Wayne a veces llega a tener un caracter muy a lo Jon Anderson, sin mencionar las harmonías vocales; era tal la influencia que estaba escuchando que acabé bajando el Fragile solo para estar seguro y, por supuesto, las partes elementales estaban ahí, con retención suficiente de ambos para que que siguieran escuchandose como ellos mismos. Eso y me enamoré de Fragile.

Segundo caso, recientemente escuché Crane Wife de the Decemberists, la primer canción no me convenció mucho, es como R.E.M. pirata o algo así, pero la segunda canción, que es como de 12 minutos y es la mejor rola que los he oido tocar y, creeran, que es porque el sonido que logra es como una mezcla entre el sonido característico de los Decemberists mezclado con, si, Yes. El fantasma regresa a través del album.



Pero ¿Por qué carajos Yes? Ellos son supuestos dinosaurios del rock que fueron exterminados por el punk en los 70's y estaban mas que muertos ¿o no? ¿Cómo es que llegas de las capas de Rick Wakeman a Colin Meloy y Wayne Coyne? ¿Qué les aportan? ¿Cómo es que me vuelvo fan de una banda de rock progresivo de los 70's a través de discos de música "indie" melódica? Para eso hay que entender a Yes.

La música de Yes siempre a sido una colisión entre los tiempos raros, los arreglos extraños y extensos y las melodías y armonías complejas del pop, influenciados por todos desde los Beatles, los Beach Boys y hasta Simon & Garfunkel (de quienes coverean su "America" en una versión extensa de mas de 10 minutos). Es el ingenio y la incorformidad musical encontrandose con el mismo arte de la composición y los arreglos pop; mientras sus contemporaneos estaban mas preocupados con la improvisación (King Crimson), el arte del performance (Genesis) o pararse en una pata mientras tocas solos de flauta de 3 horas y tratas de adivinar a cuanta gente estas aburriendo y que tan ridiculo te ves (Jethro Tull); si le recorres a 30 años después, vemos que la actitud hacia los instrumentos ha cambiado y es aceptado por mucha gente el hecho que no te hace mas punk no saber tocar que saber tocar y que, si la actitud y las rolas son correctas, la habilidad técnica puede ayudar a hacer canciones chingonas. Si juntas esta actitud con el atemporaneo appeal de una rola bién escrita entonces bienvenido al año 2006.

Yes se formaron en los 60's y pasaron por muchos lineups hasta que mas o menos se estableció en Jon Anderson (vocal), Chris Squire (bajo), Steve Howe (guitarra), Rick Wakeman (teclados) y Bill Bruford (batería); la banda apenas salía de la oscuridad gracias a que su album previo, The Yes Album, había sido un hit con el sencillo "I've Seen All Good People", pero la banda se apresuró mucho a entrar al estudio, con pocas canciones, decidieron grabar lo que tenían y quedaron que cada quíen debería contribuir una pieza para rellenar el disco. Lo que pudo haber resultado en un desastre se convirtió en un álbum muy cohesivo, con las contribuciones sirviendo de intermedios que llevaban de canción en canción, regoloteando en los cambios de humores entre estas; las canciones principales no son malas en lo absoluto, largas por naturaleza, "Heart Of Sunrise" es la mas neta que se le puede llamar progresiva '70s, ya que combina pasajes de música con mucha destreza y una modo de canción épica, "South Side Of The Sky" es mas pesada y mas enfocada, al igual que "Long Distance Runaround", las cuales hilan el disco en medio; pero lo que me hizo engancharme al disco es "Roundabout", una canción que logra ser frenética, con muchas partes, sin tanta técnica, arreglos de voz bien hechos y teclados que le agregan, no le quitan.

Tal vez Yes no sea para todos, y chance no les guste, pero tuve ganas de hablar de una banda que he estado escuchando mucho últimamente y que resuena en los zurcos de Crane Wife y At War With The Mystics, y son celestiales.



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Yes - Roundabout.mp3
Yes - South Side Of The Sky.mp3
Yes - The Fish (Shindleria Praematurus).mp3

Official site: http://www.yesworld.com/