Voces y notas darketonas dándo vueltas alrededor de una cama acolchonada de electrónicos que son algo bailables y divertidos; esto puede sonar a una unión que no sea tan natural, pero lo es, sobre todo gracias a los ritmos que marchan a ritmo de death rock. Muy simplistico pero cumple con lo que prometo, como si Crystal Castles quisieran coverear el Only Theater Of Pain de Christian Death y cortando todo el material de relleno. Una de las rolas que más llaman la atención es por supuesto su apropiación del clásico de los Rolling Stones, vistiendola con sintes que blipean y con tonos macabros en la cantada para convertirla en "Jumping Jack Flash Drive". Las canciones fluyen entre rockeando a lo gótico a cosas más bailables extendidas, generalmente todo esto en la misma canción, fluyendo de un estilo a otro, lo cuál es interesante y nos dá buena munición sombría para las pistas de baile, pero es difícilmente un sonido muy innovador. Bastante bailable y divertido.
Originalmente quería hablar de Jimmy Eat World en general pero, viendo que el año que entra marcará el décimo aniversario de este disco, pensé en escribir específicamente sobre él; de cualquier modo, la mayoría de los puntos no cambian si se enfoca a disco o a banda.
Me encontré con Jimmy Eat World a finales de los 90's, mientras investigaba los sonidos de la entonces intrigante etiqueta "emo" que a nadie le agradaba y ahora es mucho más odiada; aún así, no los escuché sino hasta principios de los 00's cuando bajé dos de sus canciones, "Opener" y el demo de "If You Don't, Don't" del entonces-por salir Bleed American. Me sentí identificado con ambas canciones y me gustaron.
Tiempo después encontré Clarity, mientras investigaba más acerca de la carrera de la banda; lo cagado es que no me acuerdo bien de la primera vez que lo escuché , recuerdo no haber pensado o sentido mucho después, lo cual es raro para mí. Ahora es uno de mis discos favoritos, no porque sea un parte aguas de sonidos (lo cuál no es) o letras, pero es una colección de canciones que tienen tan buenos arreglos, secuencia y ejecución que, y esto es lo más importante para mí, puedo verme en ellas y me hacen sentir algo (que es algo que me pasa con todos mis discos favoritos, ya sea el Lapsed de Bardo Pond, el Super AE de los Boredoms, el Die Asche Eines Lebens de Wigrid o el Venereology de Merzbow).
Las rolas son entregadas con sinceridad pero sin mucha ambigüedad o especificación, la música e imágenes líricas están balanceadas de tal manera que evocan algo personal para tí, mientras te hacen cantar con ellos; es un excelente disco para ahogarte en tu propia miseria o para acabarte la voz gritando de emoción.
Una de mis cosas favoritas de este álbum es la continuidad en toda su duración, especialmente durante la primer mitad; "Believe In What You Want" bien podría ser una sección de "Your New Aesthetic" mientras que la melodía vocal de los versos de "Crush" no es tan diferente de algunas encontradas en la canción anterior, "A Sunday", al punto que "Crush" bien pudiera ser una continuación más agresiva de la otra rola. Otro aspecto chido de este disco es el uso de cuerdas que es tan común en el pop desechable de hoy pero que aquí no se oye ni cursi ni abaratado, sino ayuda a llenar el espectro sonoro, dándolo un algo extra que podría faltar.
Las partes rockeras son apasionadas y fuertes, mientras que las más tranquilas son melancólicas y serias, pero nada es lo que parece; la ya mencionada "Crush" puede que se oiga violenta (para sus estandares) pero en actualidad es un tema eufórico acerca de sentirse bien y feliz, mientras "A Sunday", que es más triste, habla de perder a alguién gracias a las malas decisiones y las drogas. Por supuesto que los coros de "Like a breathe" y "As the haze clears from your eyes, on a Sunday" pueden tener interpretaciones diferentes para los diferentes escuchas y eso es parte de lo grandioso de este disco, de gran forma.
No se puede negar que este disco tiene una rola central, en la forma de "Just Watch The Fireworks", una rola que empieza bastante simple, tanto musical como líricamente, con arpeggios adornando los versos, un beat de bataca al punto, y letras describiendo...pues...ver fuegos artificiales, la promesa de verlos "contigo"; las cuerdas entrande manera que intruyen muy poco, como hasta ese momento han sido en el disco; la verdadera parte jugosa de la canción llega en la parte del bridge cuando Jim Adkins "said said said out loud over and over mientras las cuerdas le agregan a la rola sin volverlo un momento de power ballad pendeja, solo dándole a la música suficiente fuerza sin que tuvieran que recaer en la distorsión, añadiéndole un sentimiento más noble, el cuál es reflejado en la parte ya mencionada en la que Jim canta "over and over" después de la que él "parará ahora, lo suficiente para escucharte, me quedaré aquí todo el tiempo que se necesite" ("...stop now, just enough so i can hear you, i'll stay up as long as it takes"). Transforma la letra de la rola de un lamento de una persona solitaria extrañando a un ser físico, transformando a ese ser en alguien que chance ya no está entre nosotros, sale de algo completamente específico (deseando que un cierto alguien estuviera viendo los fuegos artificiales contigo) a algo más ambiguo, ¿Parando en ese momento para oír a una persona o alguién en tú memoria? La manera en la que el resto de la canción se desenvuelve es tanto una confesión emocional como un cántico de celebración, "el tiempo que se necesite" ("as long as it takes") es tanto un lamento de tristeza por tratar de retener a alguien como lo es un grito de felicidad por estar con esa persona compartiendo ese momento para ver los fuegos artificiales, de alguna manera intangible. No es agridulce, es tanto agrio (o más bien melancólico) como lo es dulce.
Mi línea favorita en todo el disco es probablemente "the first star i see, may not be, a star", de una canción que significa mucho para mí en estos momentos de mi vida, "For Me This Is Heaven" contiene algo de la música más ambiciosa que la banda haya usado en el formato de una canción concisa, mientras hace preguntas grandes para gente pequeña; habla del fin del tiempo que tenemos, sobre si no se deja sentir feliz en ese momento entonces ¿Cuando? Y sobre aún sentir las mariposas Y el último adios. ¿Es eso en verdad el cielo? ¿Será "la comodidad de sentirse triste" ("the comfort of being sad" como lo planteó Kurt Cobain) o será de aún sentirse de manera sublime sobre algo que ya terminó pero se sigue apreciando, ya que no sabemos cuando se terminará nuestro tiempo? Mientras me pregunto todo esto (después de todo, no me importa si esas preguntas tratan acerca de algo específico de Jim o de alguien más de la banda; las canciones son de cosas que yo me puedo identificar, por eso son importantes para mí), no puedo dejar de sentir que no hay necesidad de responder porque ya siento de que se trata. Cada que escucho esta canción, siento que no solo es de algo que sé y entiendo, sino también siento que es de algo de mí.
Me gustan todas las rolas del disco, pero "Goodbye Sky Harbour" ocupa un lugar especial para mí, porque demuestra que tan buenos artistas Jimmy Eat World son; en términos de letra, es la canción más corta del álbum pero musicalmente, es la más larga; la letra no está cortada por ser pequeña, de hecho, es tan buena tan expresiva como las del resto del disco, apoyandose en imagenes más simples. La música continua con el toque angular Dischord-eano de rockear que presentan en los momentos más duros de Clarity, pero pronto lo deja por un instrumental de tiempo calmado pero fracturado, en capaz y repetitivo, recordando un poco a Slint, Tortoise, Tristeza y Mogwai de principios, en lo que Jim pone capa sobre capa de voces sin palabras, acumulando una gran masa de ellas cuando la banda se calla para dejarlas y un track de IDM se pone al fondo de ellas, otro instrumental electrónico esta vez algo bailable pero algo retable que se inclina de lado de Autechre o de algunos trabajos de Aphex Twin. Un final épico para un disco épico.
Este es un disco muy personal para mí, no puedo pensar mucho de él objetivamente, aunque es posible que este sea el caso para todos a los que les gusta, por diseño. Hay algo raramente cálido y melancólico dentro de sus canciones, especialemente es estas, que las hace sentir como algo que poner en un día tristón durante tu adolescencia, o cuando piensas en alguien con quién no estas, por alguna razón u otra; chance si le bajas un poquito al volumen, hay una posibilidad que puedas escucharlo(a) dentro de estas canciones.
El indie pop tipo shoegazer ha tenido mucho auge durante los últimos cuantos años en círculos semi-underground, pero ¿Que hay del indie pop con tendencias a instrumentación más atmosférica? Claro, hay un chingo de Mogwais-lite en todos lados, aún así, esas bandas son difícilmente cosas con las que se puede cantar, ¿o no? Mientras que la música de Windsor For The Derby es ambiciosa instrumentalmente hablando, no es lo suficientemente matemática para que pueda ser comparada con la de Unwound y secuaces, pero tampoco es lo suficientemente minimalista para entrar en una categoría mamona como "música cerebral de audifonos fácil de agradar a hipsters". Windsor, en sus momentos más profundos, me recuerdan a Tortoise, Seefeel y al roster de Kranky, pero no temen usar voces melódicas, aunque tampoco se sueltan del todo, lo cuál resulta ser no tan sorpresivo considerando que han sacado cosas en disqueras como Trance Syndicate y Young God. La banda también tiene la valentía de incluir algunas canciones más simples, más roqueras (sin salir del estilo) y más pegajosas que te hacen querer bailar o brincar o algo entre los dos; ¿Cómo le hacen para balancear las escritas en reacción directa con las más ambientales? Pues tomando de ejemplo a Stereolab, por supuesto, haciéndolo divertido y usando uno que otro truco aprendido de los álbumes de Neu!; y, aunque el material de aquí es difícilmente tan bueno como lo de Stereolab y puedes escuchar algo de separación entre los dos bandos de tipo de rolas, Windsor escriben canciones lo suficientemente buenas como para dejarles pasar por alto esos pormenores. Más que nada, una escuchada divertida que no daña a nadie.
Yo pienso que se ve prometedora, especialmente porque yo pienso que 300 se vió de la chingada y pues es el mismo director, pero se ve que esta puede resultar ser una gran película, fuera de algunos detalles. Tampoco estoy seguro si yo, porque ya conozco y me gusta la historia, sea algo imparcial conforme a este trailer; aún así, pienso que está bueno.
Leí la novela gráfica hace un par de meses y me volvió en fan de los comics instantaneamente, es así de huevos; la historia es increible y sin misericordia.
De hecho, iba a ir de Rorschach este Halloween pero ya ni se pudo.
Ha de ser de miedo para los de las túnicas macabras mandar un master a la prensa de discos, o así lo parece por como han estado actuando; después de la recepción casi unánimemente positiva del Black One del 2005 (sí, ya hace 3 años, niños), tratar de hacer un disco nuevo que no sea el doble de rompemadres sería considerado como mierda por la todovidentes y todosabiente fanada del drone, por lo que siguen sacando discos "de mientras". Mientras que el Oracle de hace un año estuvo desnivelado en el mejor de los casos, el Dømkirke de este año está mejor desarrollado y extendido, continuando experimentando con la formula del drone metal prestada de Earth pero agregándole y substrayéndole elementos, su modo de operación por casi toda su carrera, después de todo; abriendo con un gran órgano acompañado por las vocalizaciones seudo-gregorianas cortesía de Attila Csihar de Mayhem, la banda (tocando esta vez dentro de una enorme catedral en Noruega) se dirige, en el segundo lado, a territorio sonoro familar, aunque un poco más tranquilo, con un trombón agregandole color a los acordes sostenidos de las guitarras (así es, han estado escuchando a Robe.) con el órgano y Attila regresan como por la mitad. El tercer lado, por su parte, continúa con la calma sobre más notas sostenidas y tonos de feedback (y algo de sonidos procesados, cortesía del maestrazo del noise, Lasse Marhaug) haciéndolo escalar a un parche de suciedad que se extiende al último lado, el cual dura hasta que no puede más y se desvarata donde Attila calma todo con su voz en boca cerrada, invitando a los visitantes, junto con el órgano, dentro de su drone. Con toda una odisea que fluye y sube como esta, no sé si es bueno que Sunn O))) siga armando más expectación hacia su próximo disco de estudio, considerando la alta calidad de material como este.
Así que gran pinche noticia, "meh", la popular medio-palabra utilizada para expresar una reacción apática a situaciones o exclamaciones, ya es una palabra de verdad.
No lo recuerdo pero es posible que haya habido alguna época en la que incluir una palabra en el diccionario era una noticia relevante o inclusive emocionante para algunos; en las épocas pre-internetinas, el languaje, sin importar cuál lenguaje fuera, era algo completamente serio, inclusive erudito para muchos; el aprender el deletreo correcto de las palabras o usos de las mismas era como diferenciábamos a los hombres de los niños, los hombres de los animales y así sucesivamente; era algo increíblemente estricto y hasta mamón para muchos. Hoy en día, y esto tiene que ver con mi primer reacción a esta "noticia", el lenguaje le vale un bledo a todo el mundo; mientras una palabra sea utilizada masivamente, no solo está bien visto sino aceptada sin problemas. Este es el caso con 'meh'.
No estoy aquí para predicarles de los días antíguos (esos días cuando aún ni siquiera había nacido) o para hablarles de qué tan de la chingada hablamos hoy en día, pero más bien para hablar de que tan fácil es para las palabras no solo convertirse en parte de nuestras vidas diarias, sino también en parte de nuestras ciencias y prácticas. Como dije, no puedo recordar cuando o si era una verdadera noticia que una palabra fuera incluida en el diccionario, pero ahora parece que si un personaje de la televisión o una moda de internet (muchas veces repetida después por un personaje de televisión) nos dá una palabra ya sea mal escrita, mal apropiada o de plano siendo nueva vocalización expresando una sensación u objeto, entonces en un año o dos se incluirá en el diccionario. ¿Por qué? ¿Es esto realmente progreso? ¿Es la manera en la que se deben hacer las cosas?
Por un lado, las palabras no son más que cosas que nos permiten comunicarnos el uno con el otro de manera más sencilla posible; si al usar una palabra nos podemos explicar mejor, sea utilizada de manera correcta gramaticamente o siquiera exista o no, entonces es probable que sea algo bueno; y si muchos usan esa palabra (con más gente recibiendo y utilizando la palabra cada vez más, exponencialmente hablando) y, así, tener una palabra universalmente comprendida para expresar algo con menos esfuerzo, se puede argumentar que ese es el propósito del lenguaje en sí.
Por otro lado, esto apesta a servirle a las masas, vendiendo un diccionario conteniendo palabras que una persona común pueda digerir más fácilmente, de que él se pueda identificar porque las usa regularmente; es decir, dándole a la gente un diccionario que quieren en vez de un diccionario que necesitan. "¡¡Nuevo y Mejorado DICCIONARIO!! ¡¡Ahora con 'Meh' y muchas otras de tus palabras favoritas, a solo tres pagos de $199.99!!". No estoy diciendo que esto es algo por lo que tenemos que ofendernos gravemente, pero no porque algo es popular quiere decir que sea algo bueno.
Yo pienso que, hasta cierto punto, las palabras son irrelevantes a la comunicación; mientras el mensaje sea claro, las palabras, la gramática y todo eso pueden irse a segundo plano. Pero la ignoracia es algo muy malo y peligroso, y darle licencia a la gente para que sean ignorantes de plano no está bien. Como ya había dicho, la comunicación debe ser clara.
Yo uso 'meh' un chingo, pero pienso que el poder de la palabra (un poder muy fuerte, debo agregar), se ha estado perdiendo; no sé si eso sea algo bueno o malo, eso aún está por verse (aunque, si hay menos gente que utilice ese poder, entonces es posible que los que aún conozcan ese arte lo puedan utilizar para su beneficencia y obtener aún mejores resultados). Todo lo que sé es que la adición de una palabra al diccionario ya no es nada por qué emocionarse; o, para ponerlo más simple, M-E-H.
Los Yardbirds fueron, o así nos dictan los todopoderosos críticos, la banda que nos dió el talento de algunos de los primeros "virtuosos" de la guitarra que tuvo el rock, dándonos nada menos que a Eric Clapton (famoso por Cream, Derek & The Dominoes y su carrera solista), Jeff Beck (famoso por...uh...el Jeff Beck Group y ser la alegada inspiración principal detrás de Nigel Tufnel de Spinal Tap) y Jimmy Page (famoso por Led Zeppelin). Pero, si piensan que esto es por lo único que valen la pena los Yardbirds, están completamente equivocados.
El solo escuchar su música dá una sensación de acelere que pocas bandas de la época daban, poseían un sentido de desesperación y energía que te hacen querer golpear tu cabeza contra la pared o bailar como un lunático; por supuesto, su manera de tocar tenía una perfección muy refinada pero eso cuenta para nada si no fuera por la manera en que tocaban, como si en serio se la creyeran y con todo lo que tenían. No es sorpresa que la mayor parte de las bandas de garage se basaron en su sonido y no fue sino hasta que llegaron los sonidos desgarrantes y quemantes de Blue Cheer, MC5 y los Stooges que esos niveles de energía fueron rebasados.
No solo los guitarristas de la banda eran excelentes, eran el clásico caso de ser más que la suma de sus partes individuales, el mismo caso que la mayor parte de las bandas chingonas; uno de sus más grandes logros fueron los llamados "rave ups", partes en la canción en la que se concentraban en tocar más duro e intenso hasta que el sonido explotaba solo para regresar a donde se habían quedado y luego terminar la canción (casi treinta años antes de Daydream Nation); Keith Relf cantaba con increible seguridad y desplome pero casi nunca dejando que su voz saliera de control, no solo hacía que las canciones clásicas de blues se avivaran, ¡las hacía gritar! Por cierto, yo pienso que son patrañas que la razón por la que Clapton se salió de la banda fuera porque abandonaron sus raices puramente blueseras ya que,desde el principio, le inyectaban a esas rolas puras de blues tanta adrenalina que las volvían algo completamente diferente sin perder su esencia o elementos clave, algo que casi era más avanzado que el rock de entonces, algo original y completamente de ellos.
Pero, es cierto, los Yardbirds se vendieron.
Clapton, en esos entonces apodado "Slow Hand" y poco después la inspiración de muchos graffittis que decían "Eric Clapton Es Diós", salió de la banda justo cuando subieron por las listas con "For Your Love". La razón por la que yo creo que Clapton renunció es por esta canción, específicamente porque a) El instrumento principal en la canción no era la guitarra, y b) porque fue un putazote en términos de ventas, cosa que ninguna de las canciones blueseras que Clapton favorecía logró; pero "For Your Love" no es en absoluto una fresada blanda con intento de tener éxito comercial; de hecho, es una de las más chingonas canciones jamás grabadas en la historia de la Tierra. En serio, desde el primer acorde del clavicordio a los coros de la banda a como la canta Relf a la imposiblemente pesada parte de en medio y hasta desesperado último coro, retiene la cualidad de rave up de sus adaptaciones del blues pero hecho en formato de canción perfectamente escrita.
Reemplazar a Clapton no les fue difícil, ya que él les recomendó a un amigo suyo, Jimmy Page quién, por aquellos entonceses, era un huesero (o músico de sesión) al que le agradaba su chamba y tenía un buen pago por lo que se negó pero a la vez les recomendó a su cuate Jeff Beck, el cuál había tocado en bandas de garage menores con las que experimentó con feedback, ruido y distorsión, algo que ayudó a expandir la paleta de sonidos de la banda por muchísimo para juntarlo con su nuevo material más orientado a las rolas, lo cuál le dió al mundo grabaciones tan destrozantes como "Shape Of Things", "You're A Better Man Than I" y "Heart Full Of Soul" (cuyo riff se suponía debía haber sido grabado con un sitar), así como versiones del blues ejemplificadas por la climática absoluta, carretera-a-tu-calavera que es su cover de "I'm A Man" que siempre me da escalofríos de lo intensa que es.
El bajista Paul Samwell-Smith dejaría la banda un tiempo después, dándoles la oportunidad de reinvitar a Page quién para entonces la aceptó, moviendo al talento sin mucho reconocimiento del guitarrista rítmico, Chris Dreja, al bajo para darles chance a que Jeff y Jimmy se pusieran locos. El problema resultó ser que no les duró mucho el gusto, pronto Beck contrajo una enfermedad y fue mal diagnosticado, lo cual provocó que lo corrieran de la banda en medio de una gira, acabando con una época verdaderamente mágica en la música, una en la que los rumores volaban acerca de como él rajaba las bocinas o aflojaba los bulbos de su amplificador para obtener su distorsión y cuando bandas, muchas veces iniciando con la inspiración directa de los Yardbirds mismos, empezaban a experimentar con formas de raga o cantos gregorianos.
El quinteto, entonces, fue a tener algunos hits menores con Page pero, más que nada, preferían explotar su lado experimental, extendiendo sus rolas y aplastandola hasta que quedara nada más que ruido en el escenario, y utilizando el estudio como un instrumento enorme sin temer a las consecuencias o al miedo mismo; Jimmy le introdujo a los pájaros el medio-freak folk de "White Summer" y el metal noise progre de "Dazed & Confused", desarrollado por Relf y los demás aunque no durarian por mucho tiempo más.
Hoy en día escucho a esta banda de melodías inmortales, ideas osadas y execusiones increiblemente excitantes y me pregunto cómo habrá sido escuchar esto en su propia época cuando estaban juntos o qué habría sido verlos en vivo con cualquiera de sus brillantes alineaciones. Me pasa muy seguido que la gente me ve raro cuando empiezo a platicarles de Clapton, Beck y Page y les aseguro que odio a Cream, rara vez me dan ganas de escuchar a Led Zeppelin y me da hueva checar la carrera instrumental de Beck, los prefiero en su época de principios a mediados de los 60's, como Bob Dylan dijo que se le hacían más relevantes los periódicos viejos que las publicaciones de su tiempo; esos eran los días en que un simple estandar de blues te diera ganas de entrarle a un slamazo decadas antes de que pudieras siquiera pensar en cosas parecidas, era música que te hacía sentir vivo por encima, por debajo, de lado y abajo, no sé si entonces pero estoy completamente seguro que ahora, para mi por lo menos, con un sorbito de aguas enlodadas, una linea de sitar saturada y un corazón lleno de alma para hacerme sentir vivo.
