SENCILLO DE LA SEMANA: Muse - Uprising

Desde "Sunburn" hasta "Starlight", el trio inglés ha sabido como escribir una canción buena, sin importar lo originales o exagerados que se escuchen. Ahora, con el inminente lanzamiento de The Resistance, Muse presentan otra canción bien hecha.

El sonido de "Uprising" sigue en la línea de su último disco, basándose más en Queen que en Radiohead, más bombástico y teatral que electrónico e introspectivo; el beat tiene completas aluciones al glam rock setentero y el coro es grande, mientras que otra alución se da a la canción "Atlas" de Battles, la cual le hacen referencia al final de los dos primeros coros.

Pero ya en su quinto disco, ¿Quién espera originalidad de Matthew Bellamy y compañía? Nadie se atreve a acercarse a la frontera de territorio Meat Loaf menos a sacar una visa, pero Muse la tienen por si un día su nave espacial los lleva a esos campos temidos por muchos, porque ya la han visto en el panorama.

Así que buena canción, como nos tienen acostumbrados.

RESEÑA: Om - God is Good

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El cuarto disco del dúo de meditation metal llega con un par de preguntas, ya que es el primero en el que Al Cisneros toca con un nuevo baterista, Chris Haikus no solo era el miembro fundador de la banda, sino también viene tocando con Al desde Asbestosdeath, quienes evolucionaron para convertirse en Sleep, siendo autores de un metal lento, repetitivo, monolítico, pesadísimo y genial. La entrada de Emil Amos (Grails) significa un gran cambio para Om, marcado no solo en el lineup sino en la música misma sin abandonar lo básico de su sonido, para respiro de alivio de muchos con la duda.

El gran cambio principal es que ahora, a parte del bajo y la batería, se encuentran otros instrumentos como el violín, la flauta, percusiones y otros elementos, todo adicionado a los riffs repetitivamente hipnóticos y baterías a paso moderado que ha marcado la discografía de Om; la batería de Emil en si no es tan diferente de Haikus –tiene un poco mas de redobles– pero agrega ciertas percusiones suaves en algunas partes de los momentos tranquilos de la banda, ejemplificados por el primer corte del disco “Thebes”, con 19 minutos, una rola que, por su tranquilidad general y final pesado, bien podría haber sido el tercer lado de Conference of the Birds, pero con un violín en el fondo al principio; lo más importante es que el ambiente de mantra que han cultivado desde el principio (desde Jerusalem/Dopesmoker de Sleep, de hecho) sigue intacto.

El lado b es un poco más aventuroso, “Meditation is the Practice of Death” es un track que en la superficie sigue con la formula establecida en el segundo disco de la banda, pero contiene guitarra, flauta y un poquitititito de producción dub; la instrumental y un poco más breve “Cremation Ghat I” es probablemente la rola que más se retira del sonido base, yendo más rápido (por un poquito), con una línea de bajo más trabajada y con varios otros instrumentos entrando y saliendo de la mezcla. La segunda parte de ese título continua la incorporación de más sonidos, con una melodía prominente llevada por violines y una vibra muy de medio oriente, es como si sus caminos por fin los llevaron a Giza, en vez de solo tomarlo como un título o metáfora para la meditación, para el remontarse y tomarlo como una metáfora para algo u otro, es como si Al y Emil se montaran en su camello para hacer su propio “Kashmir”.

Por un breve momento, Om dejan de ser del alma, dejan de ser indefinidos y se van a un punto geográfico, evocan un punto en el tiempo; por cuatro minutos, Om caminan sobre el Nilo y, cuando termina, se montan en su camello, cierran los ojos y siguen su camino, meditando lo más pesado que pueden.

Om - Cremation Ghat II.mp3 (right-click & save)

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Drag City
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RESEÑA: The Bitters - Wooden Glove 12"

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Con acordes sencillos, voces estridentes y una producción cruda, los Bitters no se separan mucho de sus contemporáneos shitgazers...perdón, de “garage lo-fi”, los cuales nos dan 4 rolas en este EP.

“Warrior” comienza las cosas de manera no muy original pero si con entusiasmo y creatividad, dando una rola que cuenta con versos calmados después del coro más rockero con el que empieza ¿O será un verso fuerte con un coro calmado? La verdad no entiendo bien pero la rola está chida, un poco como Guided By Voices de principios más extenso (Bueno ¿Pero que no es como Guided By Voices hoy en día?); la rola resulta escuchándose vieja, un poco formulada pero a la vez de estos tiempos.

“Can You Keep a Secret?” bien podría empezar como tantas canciones de los Ramones (y por lo mismo, de Screeching Weasel, The Queers, etc.) con un riff de acordes llendo un traste para arriba bien surfero, pero luego viene el caos de las voces, capturando una sensación amateur pero a la vez arcaica, como sencillo mal ensayado de alguna banda de la Invasión Inglesa olvidada por el tiempo y Universal Stereo; esta rola, como la mayoría de las de este doce pulgadas y de sus contemporáneos, chance no es muy memorable así para cantarse, o esté muy bien lograda, pero captura un tipo de nostalgia que no viste que el rock puede hacer, así como una sensación igual rocker pero calmada, con una ejecución bien poco pulida a la mera usanza que el punk predicaba.

La tercera rola, “Princess”, tiene un soplido de vientos en algún lugar en medio, dándole un poco de variedad al sonido, pero aún con los cantos masculino/femeninos simultáneos y disonantes; “Caves” la última rola, es la de peor ejecución pero a la vez es la más lograda, la que más tiene ganchos en la voz para cantar, aunque suena a una grabación en cassette de tu hermana a los 8 años que el perro y la grabadora se comieron, y pues ya no va a la misma velocidad o se oye tan nítido, pero que es una joyita atrapada en todo lo pesado de la cinta.

A ver que tal el disco entero, pero mientras este título nos da nostalgia, rocanrol con brochazos de ruido blanco y cosas prometedoras. Se siente bien.

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Captured Tracks
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RESEÑA: The Horrors – Primary Colours

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Salieron hace un par de años como otra banda modita más que se fusilaba a un clásico del post-punk, con más atención a imagen que a rolas, y estas invariablemente terminaban siendo muy digeribles. Como Franz Ferdinand con Talking Heads y los cientos de bandas con Joy División, The Horrors tomaban su inspiración, canciones, imagen, personalidad, etc. de The Birthday Party, pero sin el ruido o el peligro de Nick Cave, Rowland S. Howard, Tracy Pew y Mick Harvey; su primer disco era gótico bailable reluciente para gente que sigue Pitchfork Media y se maquilla mucho. Ahora los horrorosos regresan con un segundo disco que sorprende más de lo que espanta.

Para empezar, lo primero que resalta de los Horrors 2.0 es que las guitarras le tiran más a My Bloody Valentine que a nada, es como si hubieran dejado de fusilarse Junkyard y ahora estuvieran escuchando Loveless; el sentimiento de entrada ya no es terrorífico ni darketo, sino más emotivo, como si hubieran concientemente dejado de lado el ser amenazantes para ser más sinceros, como la noche llegando al día; o más bien de soñar con Bauhaus a despertarse con Slowdive. Los ritmos siguen estando un poco en el vecindario del Seventeen Seconds de The Cure y el vocal todavía fantasea con Ian Curtis, pero la sensación en general es más...bonita, un poco más trippy al apropiarse algunos trucos de estudio aprendidos de los Swirlies y MBV.

Aunque ha habido bandas que han mezclado el shoegazer con lo gótico como Cranes o Curve antes que ellos, lo que los Horrors hacen es un poco más esquizofrénico, teniendo los ritmos, la voz y el bajo de una banda de death rock con los teclados y guitarras de dream pop, ejemplificado por rolas como “Three Decades”. Por otro lado, en “Who Can Say”, los horrorosos parecen tratar de grabar algo como para que Kevin Shields considere incluir en un EP; “Do You Remember” recuerda un poco las rolas de acid house que bandas como Stone Roses, Happy Mondays o Soup Dragons escribían en esas épocas (no puedo decir que suena a “Soon”).

El problema que pienso que aún plaga a The Horrors es que no parece que puedan escribir canciones memorables o que se logren oír a ellos mismos, y lo que da coraje es el “casi lo logran”, porque hay rolas como “New Ice Age” que se oyen poderosas pero luego luego acabando, ya no recuerdas como va, y tienes que regresar a oirla muchas veces, aunque no invita a escucharse repetidamente; por lo menos no invita tanto.

Luego está “I Only Think of You” una descarada balada que trata de reimaginar “Atmosphere” de Joy División lanzada por Creation en vez de por Factory; la rola está bien, pero sufre del vocal tratando de sonar lo más que puede a Ian Curtis, forzando su voz a sonar grave y severa en vez de dejarla interpretar la letra sinceramente. Aunque a la mitad sale un violín que fluctua en la nota, chocando con la guitarra que también sale de tono, hacen una buena atmósfera (aunque no dejo de pensar “John Cale pirata palomeando con Ride de tercera”) pero no lo suficiente como para salvar a la rola de esos picos en los que la batería carga para hacer mini-explosiones en los versos; después de que le agregan efectos de sonido, la rola acaba sonando bien pero sufre igual que las demás por falta de un verdadero coro, de una verdadera identidad.

Bien por los Horrors por tratar de ser menos derivativos, aún les falta encontrar material fuerte que tocar. Aunque sea ya no son nada más una banda que pasa más tiempo en el espejo que en sus instrumentos.





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XL
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Esto Te Ofende, ¿Sí?

Al principio, cuando circuló un video de un Kurt Cobain como personaje computarizado de Guitar Hero quién sabe que número cantando rolas de Bon Jovi, 90% del internet se indignó (el otro diez porciento está más preocupado con Jay-Z y cuantos MTV Awards se van a ganar los Jonas Brothers...es decir, nada que ver con la música); Courtney Love, quién supuestamente no accedió a que usaran la imagen de su difunto esposo aunque Activision (los productores del juego) aseguran que el contrato lo especifica, amenazó con demandar (a través de Twitter, na’a más), Krist y Dave también se ofendieron y al parecer el mundo se está acabando.

Y a mi me valió madres.

Igual y pienso que Cobain se merece un poco de sacrilegio de vez en cuando para a) recordarnos que él no era acá el Jesús que murió por nuestros pecados y que toda hora de su vida fue miserable (para los que piensen lo contrario, se les invita a ver el DVD Live! Tonight! Sold Out!) y b) recordarnos que, aunque tiene su importancia, no ha sido el mejor ni mucho menos el único en hacer música relevante en los últimos 15 años.

A mí no me ofendió, ni me hizo sentir mucho, todo lo que puedo pensar es que es un juego y ya, no es nada para tomarse en serio, no es algo que pueda reemplazar a un buen concierto o un buen disco en lo que a las emociones y pensamientos que nos pueden dar. Si te vas a sentar a jugar Guitar Hero para sentir el impacto que una rola puede tener en ti, entonces no sabes nada de la vida, punto.

Pero al ver esto, aparte de pensar “¿Otra vez con este güey? ¡Ya déjenlo descansar en paz!”, me hizo sentir como que me debería de sentir mal que un mugroso juego usara a alguien de verdad solo para vender más copias, independientemente de cuanto me guste o me deje de gustar, y no lo hizo. Pensé si hubiera alguien que usaran como personaje y que si me hiciera sentir mal, que pusieran a Keiji Haino tocando a los White Stripes o a Jello Biafra cantando rolas de U2, pero neta no siento nada.

¿Será que llegué al momento en el que nada me ofende, en lo que se refiere a la música?

Pensando en que si me ofendo de lo de Cobain, por ser nada más de una banda buena que hizo buenas rolas y que ahora reducen a una caricatura cantando una canción que no hubiera cantado más que de broma en vida me hizo darme cuenta que a) Guitar Hero no respetan nada excepto las rolas, todo es una reducción de las bandas, instrumentos, etc. a simples artefactos que sirven para ganar puntos, teniendo a gente comprándolo y b) que me pudre el alma que Alice In Chains se hayan reunido.

Eso SÍ me ofende.

¿En que caraja cabeza les cabe reemplazar a Layne Stanley? Peor aún, no tuvieron los huevos de reemplazarlo cuando aún estaba con vida, solo lo hicieron cuando ya entregó el equipo, y justo cuando bandas como Nickelback, Godsmack (aunque ya decaían) y demás tomaron el sonido de Alice, lo simplificaron, le quitaron lo deprimente y profundo y llevaron a dominar el radio comercial. ¡Pero Layne era más de la mitad del sonido! ¡¿Con que cara Jerry Cantrell, Sean Kinney y Mike Inez se atreven a tocar “Rain When I Die”, “Over Now” o “Down In a Hole” con otro güey?! Layne personificaba estas rolas y sin “persona”, la que dominaba y representaba las rolas, entonces no se puede.

¿Qué tiene que ver esto con un juego que es básicamente un Dance Dance Revolution con mejor música y sin tanto factor geek? Tiene que ver en la ofensa y en dos personalidades de grunge (término que para uso práctico de esto que escribo se aplicará como género al que Layne y Kurt pertenecían) fallecidas, así como el “respeto” que se les mantiene; el pedo con Cobain es sobre un juego y sobre usar su imagen de manera que no es como supuestamente él (o más bien, los críticos mamones, ex-miembros de Nirvana, la viuda y otros) hubiera estado de acuerdo que se usara (personalmente yo creo que, restándole el hecho que están haciendo dinero de él, Kurt le daría risa verse cantando Bon Jovi; para los que no lo piensen, les refiero de nuevo al DVD Live! Tonight! Sold Out!); mientras que los otros idiotas de Alice In Chains usan su legado con Layne Stanley para poder hacer lana con giras y grabando con un don nadie de otra de las miles de bandas que se fusilan a Alice In Chains.

La diferencia está entre el músico y la música.

Kurt Cobain fluctuaba entre tomarse muy en serio y no tomarse en serio para nada y, como a muchos personajes públicos, históricos, etc. hay quienes los parodian, se burlan, estereotipan y todo, a veces con respeto y a veces no; pero, a diferencia de lo que los hagan pensar Michael Azerrad, Charles R. Cross y todos los críticos que pontifican a Cobain como el dios de la música, que lo hayan sacado en un videojuego no ha hecho que suceda nada al mundo y menos a la música de Nirvana. Nevermind sigue sonando igual, sus videos siguen viéndose igual, no se han borrado sus canciones predilectas de ansiedad y alienación y han sido reemplazadas por “You Give Love a Bad Name”. Lo que pasó es que Courtney Love la cagó, firmó un contrato para que pudieran usar la imagen de Cobain como se les plazca e hicieron algo que llamaría la atención, Courtney se está curando en salud para que no la acusen de (por enésima vez) joder la imagen y legado de Kurt, amenaza a Activision y ya así todos estamos de su lado. Guitar Hero no es en serio, no como la música de Nirvana lo es.

Alice In Chains, por el otro lado, no nada más quieren vendernos su nuevo disco pretendiendo que va a estar tan bueno como Facelift o Dirt (hay posibilidad que lo sea, aunque lo dudo), pero diciéndonos que son ALICE IN CHAINS cuando ya no lo son. Bueno, igual y podemos hacer lo que yo planeo hacer e ignorar olímpicamente la existencia del álbum, de la misma forma en la que olvido que existe The Weirdness de los Stooges del Siglo 21, aunque de todas formas me ofende que exista. Y me ofenden porque están metiéndose con las bandas de verdad, con la música en sí, solo por capitalizar se meten con discografías que estaban chingonas y que ahora ya tendremos que esquivar pero, más aún, nos hacen pensar de menos en los artistas que alguna vez fueron admirados, ahora hacen bajezas y ya no dan ganas de escucharlos por lo menos en un rato.

Al rato se les va a ocurrir la misma pendejada que a Exodus y van a regrabar su álbum clásico con la nueva alineación

Ya me desvié un poco de lo que decía, pero como decía, igual podemos hacer que no existe el disco, pero ya hay una banda haciendo gira, tocando versiones debajo del estandar de lo que hacían, chingando lo que alguna vez fue increíble, que tocaba metal y asuntos más tranquilos en canciones que iban de dos a siete minutos en los que exploraban la adicción, la depresión, la perdición, la muerte y la existencia con (y esto es lo más importante) arreglos vocales en armonías multiples, inspiradas por cosas tan diversas desde los Beach Boys y Queen (pero casi por completo al otro lado de su sonido) hasta los cantos gregorianos, en canciones de rock que fueron hits de radio, y que por eso mismo han formado la demanda para que exista una nueva versión de Alice In Chains. Pero no porque exista la demanda hay que satisfacerla, a menos que a todo lo que le hagamos caso sea a la ley de la compra-venta.

Igual que Queen con Paul Rodgers, igual que Sublime sin Bradley Nowell, igual que los Misfakes, igual que Credence Clearwater Revisited, igual que los Doors del Siglo XXI que ya ni se llaman así ni tienen a Ian Asbury con ellos; me ofende que existen porque son versiones mediocres de bandas que alguna vez fueron buenas, no son muñequitos ni nada así que hacen cosas que se olvidaran y no tienen un impacto verdadero.

Me ofenderé cuando Krist y Dave decidan reagrupar Nirvana con Jared Leto de vocalista.

SENCILLO DE LA SEMANA: Krallice - Dimensional Bleedthrough

Perdón por la tardanza.

El segundo disco de Krallice, banda de black metal formada por Mick Barr (Orthrelm, Ocrilim, etc.), Colin Marston (Dysrhythmia, Behold...The Arctopus), Lev Weinstein (Bloody Panda) y Nick McMaster, está por salir el 10 de Noviembre a través de Profound Lore.

Este le sigue a un primer disco que es un putazo en el que los blastbeats truenan con fuerza, los riffs van a paso de ametralladora y los solos se dan disonántemente seguido; fue un descarga de adrenalina extraida de las venas más misántropas de Transilvanian Hunger. Algo de esperarse de "la banda de black metal del güey de Orthrelm".

A un poco más de un año de su lanzamiento, Krallice nos dan su segundo disco, del cuál esta rola lleva su nombre y se puede escuchar la evolución que la banda ha tenido en este plazo. Para empezar, ya se oyen más a banda, queriendo expandir sus fronteras y ponerse más locos en los ritmos y riffs sin llegar a ser irreconocible, de hecho, hasta llegan a cimentar más su sonido característico; inclusive, parte de la rola tiene experimentos en repeticiones como los que Barr ya exploro en el discazazazazaso Ov de Orthrelm, aplicándose muy bien.

Aunque desde su formación ha sido controversial que se les aplique el término de "black metal", a Krallice no les importa y demuestran ser una de las agrupaciones metaleras con más de un paso adelante que la mayoría.

Krallice - Dimensional Bleedthrough.mp3 (right click -> save)

Los Beatles Dentro de las Necesidades Básicas del Hombre Moderno

Vivimos en una época en la que, en la mayoría de los países y territorios, la vida es muy sencilla y cómoda. Afrontémoslo, si están leyendo esto, es poco probable que entre sus prioridades se encuentren el buscar refugio o cazar un animal para comer, mucho menos creo que estén preocupados por la inminente llegada de la guerra, a reclutarlos o matarlos (a menos que sea por voluntad propia). Muchos chance les gustaría tener más lana, un mejor lugar donde vivir, un coche más chido y lana en general para gastar en lo que a uno se le plazca; pero comida, techo, transporte (público o privado) y entretenimiento –lo necesario– tenemos.

Es esto –lo necesario– que me ha hecho pensar, hay tantas cosas que no requerimos pero que le hacemos prioridad, y se nos hacen indispensable. Si un escenario apocalíptico, ya sea un meteorito, terremoto, ataque nuclear, invasión extraterrestre o vayan y pregúntenle a Philip K. Dick, Aldous Huxley, Orson Wells, James Cameron, o quién quieran les proporcione el futuro cercano “distópico” de su preferencia, se presentara de repente, muchos de nosotros no podríamos sobrevivirlo, y los que lo llegáramos a sobrevivir, no podríamos sale triunfates a lo que sigue, a empezar de cero, hacer todo por encontrar lo básico para nuestra supervivencia día a día. Es por eso que vivimos una vida cómoda, comparada con nuestros antepasados; y es por eso que se nos hacen esencial los remasters y el videojuego de los Beatles.

Esta semana sale tanto The Beatles: Rock Band como los remasters de todos sus discos, subiendo los niveles de audio y la “calidad” digital para los estándares de hoy en día y nuestros iHabitos de iConsumo. Ahora, yo no pienso que esto está mal, de hecho se me hace padre que cuando los Beatles sacaron “I Am the Walrus” o “Tomorrow Never Knows”, canciones con técnicas de grabación adelantadísimas a su época, no existían los videojuegos, y también se me hace chingón que mantengan todos sus discos a la venta con el arte, fotos y todo como debe ser (se me hace más chido aún que decidieran remasterizarlos tanto en mono como en estereo). Pero, no dejo de preguntarme si todo esto es en verdad necesario.

Digo, pensémoslo, ¿Se necesita?; antes de esta semana, podías conseguir todos estos discos, en casi cualquier parte, y los remasters no incluyen nada previamente sin escucharse, nada emocionante como el lanzamiento de “Carnival of Light”. Más allá aún, la música de los Beatles no se ha dejado de escuchar, Universal Stereo (aquí en México DF) sigue con la “Hora de los Beatles”, transmitiéndola desde hace casi 40 años; y, en algún lugar del mundo, ya sea hoy, mañana o en las semanas venideras, Paul McCartney se subirá otra vez a un escenario a dirigir los “nana na na”s de “Hey Jude” para otro público masivo en cualquier punto del globo terráqueo.

Rock Band, por su lado, es probablemente el punto más controversial, por lo menos en teoría; ya sea el reducir el legado de la banda de rock más importante de todos los tiempos a un simple juego o el que por fin puedes agarrar tu control en forma de bajo Höfner zurdo e interpretar a la banda de rock más importante de todos los tiempos, teniendo de una vez por todas un juego con la música más decente que se puede encontrar. Esto del Rock Band me hace recordar que, después de todo, la música es entretenimiento, probablemente un balance entre arte y entretenimiento de la misma manera que también es un balance entre negocio y arte, o chance se podría decir que es el entretenimiento más profundo al alcance del ser humano.

El hecho que exista el juego va a hacer que muchos que les importa un bledo quienes eran los Bitles se pongan a jugar con él y por un par de meses (a lo mucho) sea de lo que hablen, idealmente llegándole a gente que no conoce este tipo de música y le pueda abrir los oidos a todo lo que que se han perdido, no solo las composiciones de Lennon/McCartney y Harrison. Más que nada, Rock Band (al igual que Guitar Hero), no son una amenaza al rock de verdad, ni el fin de la música a la masificación de la misma para diluirla bla bla bla, porque nunca en la vida van a poder reemplazar las verdaderas experiencias que traen la música, lo que de deberas impacta nuestras almas, cerebros y corazones: presenciar un concierto de esos cambiavidas, encontrar un disco favorito y escucharlo en los momentos en que más los necesitamos o simplemente recibir y escuchar un mixtape que exprese más que nada podría lo que sentimos y pensamos, encontrando nuevas canciones nuestras y nuevos grupos favoritos.

Lo que ha provocado el lanzamiento de los remasters, a lo que he visto hasta este momento en la semana, es que los Beatles están siendo escuchados y comentados como si estos discos fueran completamente nuevos, inspirando comentarios como “estos chavos van a llegar lejos” y parecido. De nuevo, el Cuarteto de Liverpool está de moda, pero ¿Cuándo no?. Claro que para muchos posers, solo cuando Pitchfork los reseña es el único momento para escucharlos, pero en general, no se dejan de escuchar, como ya mencioné. Si es una campaña de marketing para que sigan generando dinero, pues claro que tenían que llegar los remasterizados, pero no necesitan la publicidad ¿O sí? ¿Qué piensan ustedes?. ¿Los Beatles serán como dicen que es Coca-Cola, que si se deja de anunciar por un día pierde mercado? Lo dudo demasiado.

Por eso, yo no pienso que sea necesario, literalmente no se necesitan los remasters, ni siquiera como estrategia de mercado para hacerle más alboroto a Rock Band. Personalmente, yo no los escucho diario ni seguido, y pienso que hay gran parte de su música que la odio (“Love Me Do”, “Obla-Di-Obla-Da”, esas me dan el impulso de pegarme un tiro) y, aunque muchos no conocemos bien todo su trabajo discográfico, cuando quieren escucharlos, está disponible todo. Por eso no es necesario.

Pero le debemos mucho a los Beatles.

John, Paul, George y Ringo son los primeros nombres conocidos solo por primer nombre, igual que Thurston y Kim para los que les gusta la música alternativa/independiente/yada yada, Kurt y Courtney para los que vivieron los 90’s, Derrick y Juan para los historiadores del techno; James, Lars , Kirk y Cliff para los metaleros, etc.; reconocibles por su nombre de pila y nada más, a los primeros que se les aplicó esto y a los que aún así se les menciona y sabes de quién hablan. Fueron la primer banda en ser eso mismo, una banda, escribiendo, componiendo, haciendo arreglos, decidiendo y experimentando juntos, no como títeres de un manager o showmen reinterpretando canciones propias y populares para que la gente baile; fueron la primer banda mayormente masiva, conocidos de aquí a Timbuktú, que tomaron la libertad creativa y no la devolvieron, explorando la canción como medio para expresar todas las sensaciones del ser humano, de manera simple y corta o extensa y complicada, fueron los que finalmente conectaron a vanguardistas como Karlheinz Stockhausen con cantautores fáciles de digerir como Bread. Y muchas veces, en “Walrus”, en “Me & My Monkey”, en “Helter Skelter”, en “Blackbird”, en “Something”, en “Across the Universe”, en “Cry Baby Cry”, en “Hey Bulldog”, en “Here Comes the Sun”, en “Lucy in the Sky with Diamonds”, en “Strawberry Fields Forever”, en “The Long and Winding Road”, en “Within You Without You”; tanto en “I Want to Hold Your Hand” como en “A Day In The Life” y como en muchas otras y cualquier canción que en su perspectiva, apreciado lector, amerite inclusión, lograron hacer de eso que hacían –explorar, experimentar, expresar y perfeccionar- en excelentes canciones con excelente música que aún se oyen modernas, esenciales e influyentes.

Pues no, los videojuegos y cds nuevos no son necesarios como el agua o refugio del frio y las tormentas. No se necesitan tampoco para tomar en cuenta lo necesario que son los Beatles para la música y todos los envueltos en ella, desde su primer sencillo hasta hoy en día.

RESEÑA: Tyondai Braxton - Central Market

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El prodigioso hijo de la leyenda del jazz Anthony Braxton e integrante del críticamente adorado grupo Battles presenta su disco solista para Warp, entregando un trabajo algo familiar para los que han escuchado su su chamba diurna pero con ciertos cambios.

Muchos de los sonidos de Central Market no se oyen muy lejos de los de Mirrored, el disco de Battles que los llevó de ser banda de culto para los fans del rock matemático a emblemas de la modernidad musical independiente: los tiempos son fracturados y muchas de las voces son alteradas para sonar superagudas; pero de allí en adelante, hay cosas que separan a Tyondai el rockero de Tyondai el compositor.

En efecto, Central Market cuenta con elementos de orquesta, más notablemente con la participación de la Worldless Music Orchestra, la cual antes ayudaron a otro guitarrista en un igualmente un proyecto solista --Jonny Greenwood de Radiohead, a grabar sesiones para la BBC-- y con muchos más instrumentos, desde lo usual para Braxton como la guitarra y laptop hasta kazoos y “cuetes” (o efectos que suenan a fulminantes y palomas); Tyondai también le tira a lo sinfónico en las estructuras de los temas del álbum, mostrando influencia de compositores del tardío siglo XIX y principios del XX como Stravinsky, Prokofiev, Shostakovich y Debussy, con pasajes rápidos y juguetones.

Otra influencia muy grande es la de Van Dyke Parks, el cantautor que ayudó a Brian Wilson con Smile, arreglista para Tim Buckley, The Byrds, Silverchair y Joanna Newsom entre muchos muchos artistas más; sobre todo se refleja su disco Song Cycle de 1968, en el que combinaba música clásica, rock sinfónico, rolas de musicales y música de caricaturas de Warner Bros.; esa misma sensación se encuentra presente en todo el álbum de Braxton, siendo solemne pero divertido a la vez, oyéndose moderno pero dentro de un contexto sinfónico que lleva siglos en el conciente colectivo humano.

Todo el disco se desarrolla en una sola pieza, a manera de concerto, con los tracks siendo más como movimientos que como canciones, donde los temas suben y bajan, se aceleran y frenan, demuestran algo ligero y chistoso o profundo y tenebroso. Si es que puede llegar a tener una crítica el disco es que hay muchos sonidos que son directamente salidos de Mirrored, y eso no se le puede culpar mucho, ya que es algo muy suyo y no sería justo que negara esa parte de su sonido. También, la canción “J City”, con vocales y guitarra casi sin procesar, batería y solo un poco de tratamiento digital, suena un poco fuera de lugar dentro del flujo de las piezas anteriores, pero no es una rola mala.

Central Market es un disco muy ambicioso, incorporando muchísimos instrumentos, sonidos y pasajes en algo coherente, bombástico y pleno, cumpliendo con su cometido. Dándoles mucho a los fans de Battles que los conocieron y/o se extasiaron con Mirrored, entregando un trabajo que va más allá, un verdadero álbum que da muchas caras y diferentes sentimientos en su duración de LP, siendo uno de los mejores y más completos del año.



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Warp
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RESEÑA: The Marked Men - Ghosts

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Con apenas media hora para entregarnos todo lo que dan en este disco, los Marked Men no pierden nada de tiempo al darnos “All In Your Head”, una canción que demuestra todo lo que está por venir: tiempos rápidos, mucha energía, voces melódicas sin ser melosas y guitarras raspantes sin tanta distorsión.

Mientras que su garage hiperactivo podría ser tomado así como así, algo sin mucha sofisticación a primer oído, al escucharse un poco más se encuentra con que las canciones están bien pensadas y estructuradas, las melodías bien logradas. Es entonces, cuando ejecutan la rola cuando todo lo descuidado y rápido para darle chance a los detalles que hace que esto se escuche bien rocker.

Ghosts, sin embargo, es puro desenfreno en tres acordes y melodías bien logradas, y eso hace que sufra un poco; ya que el tempo rápido constante que tiene el álbum y la manera en que las guitarras interpretan riffs simples con poca variación de sonido o dinámica, hacen que se escuchen muy parecidas unas rolas a otras. De hecho, se me hace difícil señalar una rola en particular como la que destaque.

Sin embargo, no creo que los hombres marcados se estén preocupando mucho por el contenido del disco, o porque sus rolas puedan ser profundas y con arreglos ambiciosos; lo que pienso que es lo que quisieron lograr con Ghosts es un disco de los de la usanza vieja de garage o punk o simplemente rock n’ roll del bien chido: pon la aguja donde quieras y ponte como pendejo en tu cuarto y, cuando te toque verlos en vivo, el plan es puro desmadre, saltar y pasársela chingón, bebida alcohólica y/u otras sustancias opcionales.

Igual y me hubiera gustado que con toda la adrenalina, sudor y coros cantables pudieran haberle dado un poco más de personalidad a las rolas pero pues no son mi banda, y agradezco que los Marked Men hayan querido grabar un disco que capturara el subirse a un escenario de un bar para, en 30 minutos o menos, darnos todo lo que tienen y darnos una excusa para ponernos bien pendejos con rolas bien hechas, sin ponerle atención a los detalles; después de todo, les funcionó a los Ramones ¿no?.



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Dirtnap
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RESEÑA: The Bastard Noise - Rogue Astronaut

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Generalmente Bastard Noise, también conocidos como Man Is The Bastard cuando no tocan en chinga y hacen más ruido sin forma, son uno de los mejores exponentes de la exploración sonora, unos que casi no decepcionan en sus trabajos discográficos, que pueden en verdad experimentar, llendo de cosas disonantes y lúgubres a ataques de power electronics puteaoidos.

En este disco, el cual le agregan el “The” al principio de su nombre y uno lanzado en la legendaria Gravity Records, los bastardos se anotan un strike a mi percepción; el sonido en general es de audio de sintes aislados, plings que de repente se dan y temblores de frecuencias bajas que vibran poco a poco mientras intonan con voces monótonas unos cánticos sinplistas. El resultado, en vez de conjurar un ambiente sonoro solo causa...y me duele tener que escribir esto...aburrición.

Casi todo el disco me suena a Wolf Eyes pero con sintes digitales en vez de aparatos viejos con circuit bending, así con sonidos repretitivos y sin chiste, mientras que las voces solo hacen cosas molestas, sin lograr mucho más que repetirse todo hasta que ya extendieron las rolas al tiempo que querían, pero sin mucho que ofrecer excepto sonidos, y sonidos que no son interesantes entre si ni por si solos.

Sáltense este y consigan la caja de cinco discos que sacó Cathartic Process este mismo año, o si quieren algo que se escuche como Rogue Astronaut, escúchense Constantly Terrified de Hair Police, es mucho mejor.

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Gravity Records
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SENCILLO DE LA SEMANA: Raekwon – House of Flying Daggers

La secuela de uno de los mejores discos del hip-hop está cada vez más próxima, dándole fin a una espera que parecía nunca terminaría, o dejaría de existir.

Raekwon, uno de los mejores MCs en una de las agrupaciones con más MCs excelentes per capita, Wu-Tang Clan, le dio a los 90’s Only Built 4 Cuban Linx, un disco con narraciones vívidas de pandillerismo que iba desde lo que se vive en las calles hasta las fantasías más opulentas que Martín Scorcese jamás pensó, con beats y samples que hacían de todo algo cinematográfico pero crudo y directo, minimalista y letal, como el mejor hip-hop.

Por años Rae amenazó con hacer, apropiadamente dado lo épico de Cuban Linx, una secuela a tan grandioso disco; años de álbumes de Wu-Tang que iban de buenos a dos-tres, colaboraciones y cameos, el rappero anunció que la siguiente parte de Cuban Linx saldría en Septiembre de 2009 (pero no sin antes atrasar un par de veces la fecha de salida), y ya era hora que cumpliera.

Como presentación de todo lo que será Only Built 4 Cuban Linx...Pt. II, Rae nos presenta el video de “House of Flying Daggers”, en el cuál lo acompañan sus compañeros de Wu-Tang Ghostface Killah (el cuál recibe, al igual que en el original, el credito de “estrella invitada”), Method Man e Inspectah Deck, los cuales rappean como saben, con fuerza y personalidad, mientras que el track está producido por el talentosísimo fallecido J Dilla, produciendo, como la mayoría de sus beats, algo con personalidad, profundidad y buen ritmo.

Todo el sencillo (y video) huelen a Wu-Tang clásico, y da esperanzas a poder decir que no todas las secuelas son chafas.




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RESEÑA: Jim O'Rourke - The Visitor

OOOOO

Tras su salida de Sonic Youth, JimO desapareció de este lado del mundo; esto, en sí, puede ser una manera de puntualizar toda una carrera personificando la vanguardia sonora gringa, al haber sido guitarrista, laptoppero, cantautor, miembro de Gastr Del Sol, productor de Wilco, colaborador de gente diversa desde Derek Bailey hasta Fennesz, e ingeniero para trabajos de toda una nación alternativa. Su carrera consistía de todo esto hasta que se autoexilió a Japón.

Aunque ha seguido activo, más que nada haciendo cine experimental, O’Rourke ha roto su silencio musical para colaborar con gente como Carlos Giffoni y Merzbow y mezclar el excelente Ys de Joanna Newsom, entre otras cosas, así como al lanzar discos como el magistral drone de Long Night del año pasado; pero hay muchos que esperan que Jim nos dé otro disco de rolas, uno como el Eureka o el Insignificance, donde escribió y tocó canciones convencionales de verso-coro-verso, y para muchos es el zenith de su carrera.

Casi a manera de compromiso, pero uno que no le quita merito en absoluto, JimO presenta The Visitor, un disco compuesto de una sola rola de casi 40 minutos, pero que no cuenta con capaz de sonido o drones, sino que está conformado de guitarras acústicas, electricas con slide, baterías y piano, con los cuales nos da temas que se desenvuelven por unos minutos para dejarlos un rato y luego quedarse con una guitarra o piano arpeggiando solitariamente y cambiar a algo más.

El sentimiento de The Visitor es algo melancólico pero a la vez alegre, tiene un aire campirano, de atardeceres naranjas en granjas del medio oeste o algo así, de nubes que se extienden mientras el FM toca algo de pedal steel, de un recuerdo de lo que fue el country y lo que ahora es el único elemente en esas canciones que separa a los que se describen así de los del pop convencional en otro lado del cuadrante. El resultado es un disco que explora las cosas de manera profunda con sonidos algo convencionales y calmados, aunque no pretende eso, solo trata de encontrar la canción orgánica para los improvisadores de circuit bending.

Muchas de las partes del álbum van de lo desolado a lo más contento, de los instrumentos haciéndo conversación a que los mismos se agrupen a dar una sensación que cambia conforme los instrumentos pasan de ciertos acordes, logrando una sofisticación sinfónica con muy pocos elementos a su disposición, y eso hace de The Visitor algo extraordinario.

Jim O’Rourke, desde la tierra del sol naciente, le escribe una postal a la vanguardia estadounidense, con la imagen de un pórtico y los sonidos del country, dándole música convencional que se oye extraordinaria, igual que los maestros del pop como Phil Spector, Brian Wilson y Burt Bacharach; sacándolos de la tiranía de los 3 minutos y haciendo que convivan con los compositores de escuela. Solo Jim sabe como tocar ambos extremos en el mismo disco.

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Wikipedia
Discografía
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RESEÑA: Tombs - Winter Hours

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El disco debut de esta banda de Brooklyn, comienza como un hijo bastardo perdido de Godflesh, con guitarras que son pesadas pero destrozadoras y un vocalista que no gruñe o grita, sino proclama agresivamente, al final de que los riffs pesados se ponen un poco espaciados a través de la disonancia, sin perder saturación. Para la segunda canción “Golden Eyes”, el sonido de la guitarra permanece pero todo se vuelve aún más metalero, con la batería tocando blastbeats y dando chance a que el tempo baje en momentos, para exagerar la pesadez del asunto, torturando y triturando a su paso mientras el vocal se pone a gruñir un poco más que al principio.

El estilo de la guitarra, con su tono cilíndrico y con skronk inscrito, le dan otro sabor al asunto pero Winter Hours conspira a ser algo muy metaloso; es como si trataran de adaptar el tono de Swans de principios a algo un poco más thrash/death/industrial/groove mezclado con algo del drama de Isis.

El disco resulta ser algo un poco más épico de lo que se esperaría, pero sin ser épico a la orden del power metal. De alguna manera, Tombs pretenden combinar la media del metal con los elementos más vanguardistas, un poco de doom/drone por aquí, un poco de breakdown por acá, atmósferas en un momento y power chords a otro.

En general suena bien el disco pero logra poco, dura unos 30-tantos minutos que se van rápido en proporción a las rolas, y cuando ya más o menos le agarres la onda de repente cambia a algo diferente, lo cuál resulta un poco frustrante ya que no fluye o se integra de una manera que haga al disco algo consolidado. Tombs pretenden darnos un álbum ambicioso, en ese sentido fracasan porque es corto, tímido y en ocasiones derivativo (de Godflesh, Isis y hasta los momentos más lentos de Fear Factory), la integración de lo populachero con lo más experimental se oye un poco forzado y no hay muchos momentos memorables; pero, si se toma como media hora de pulverización metalera ligeramente cibernético y paranoico, algo que poner para mover la mata y prenteder que combates robots totalitarios republicanos mientras agonizas cada que destrozas sus discos duros, entonces está bueno el disco y cumple con su cometido.

A ver que tal les sale en el futuro.

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